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    A N T H O L O G I E

     

     

     

    Fondée à Paris en 2009, ANTHOLOGIE repose sur un dialogue créatif entre l'Europe et l'Asie.

     

    Porté par son expérience parmi les acteurs du design international, de l'architecture et par ses relations établies de longue date avec le Japon, son fondateur Denis Ribreau dessine les contours d'une cartographie imaginée autour d'un collectif d'artistes européens et japonais dotés d'une forte maturité à éveiller nos sens.

     

    Le Japon et les pays nordiques partagent un rapport intime à la nature et aux éléments. Contrées relativement éloignées, recouvertes de forêts et dont la culture singulière est préservée, japonais et finlandais entretiennent une même relation à l'espace, à la lumière, et dans leur comportement, leur discrétion, leur précision, leur honnêteté, ils se ressemblent beaucoup.

     

    Pour apprécier ce dialogue esthétique d'une rare fluidité, rendez-vous à Paris ou la galerie Anthologie présente des oeuvres réalisées à quatre mains par des artistes nordiques et asiatiques.

     

     

     

     

    Le Monde, Octobre 2019

    Hors-série Japon

    @Galerie Anthologie

     

     

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    G A L E R I E

     

    LIENS EUROPE - ASIE

     

    Fondée en 2009, la galerie Anthologie est l'expression d'un dialogue créatif initié en 1999 entre la France et le Japon.

     

    Évoluant avec les acteurs principaux du design international et de l'architecture depuis vingt années, son fondateur Denis Ribreau a construit des relations profondes et amicales auprès d'artistes, artisans, designers, créant au fil du temps sa propre orientation dans le domaine de l'art et de l'architecture auprès d'une nouvelle génération de créatifs recherchés.

     

    INTUITION NARRATIVE

     

    Les relations longues distances sont parfois les plus passionnées et nos liens établis de longue date avec le Japon posent les fondations d'une galerie explorant créativité et transmission des savoirs.

     

    La galerie Anthologie repose ainsi sur une complicité intuitive.

    Donner à voir ce qui échappe au regard, être, sentir l'instant devant soi ; montrer et dire sur le mode de la parole silencieuse. Établir une relation avec l'inconnu, en recherchant un minimum d'intervention devant le spectateur, en un mot, viser juste.

    COLLECTIF CREATIF

     

    A l'image d'une petite fondation culturelle, au delà du circuit traditionnel de galeries plus communicatives, notre volonté est de représenter fidèlement et dans le temps un collectif d'artistes avec lequels nous partageons une réflexion sur les enjeux environnementaux du XXIème siècle.

     

    Située à Paris, rive gauche sur le chemin du musée Guimet et du musée d'Orsay une petite galerie explore secrètement un monde sensible qui se dessine.

    TRANSMISSION DU GESTE

     

    La galerie approfondie pas à pas cette approche manuelle et gestuelle auprès du public, institutions, écoles d'art, musées et fondations.

     

    Hiver 2017, la Finlande était à l'honneur au Japon et exposée au Takenaka Tools Museum de Kobe.

     

    A l'été 2018 l'atelier Nikari ouvrait les portes de ses ateliers à la famille impériale du Japon pour inaugurer les relations culturelles entre la Finlande et le Japon dans la valorisation des ressources naturelles et la transmission des savoirs.

    FINLANDE -JAPON

     

    Notre activité est portée par la transmission de techniques anciennes autour d'une nouvelle génération de créatifs dotés d'une maîtrise dans les arts de la calligraphie, de la céramique, sculpture et du design.

     

    Effet miroir entre cultures éloignées, notre expertise au fil des années est une exploration à la source de cultures lointaines du Japon et de la Finlande.

     

    FONDS D'ART CONTEMPORAIN

     

    Reposant sur une collection de plusieurs centaines d'œuvres, la galerie pointe son regard sur un art contemporain doté d'une forte capacité à éveiller nos sens.

     

    Donner à voir ce qui échappe au regard, être, ressentir, montrer et dire sur le mode de la parole silencieuse ; établir une relation avec l'inconnu, en recherchant un minimum d'intervention devant le spectateur, en un mot, viser juste.

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    KASETSU, Tokyo

     

    Kasetsu vit à Tokyo, représentée pour la première fois en Europe et en France par notre galerie exclusivement depuis 2020.

     

    Sur les bases de la calligraphie en employant l'encre et le pinceau, Kasetsu utilise sa propre réthorique artistique et unique. Immérgée physiquement, Kasetsu exerce son énergie dans l'état spirituel ou elle se trouve, réalisant des multiples jusqu'à la réalisation de l'oeuvre parfaite. Les lignes se réalisant d'elles mêmes dans l'action, au delà du caractère l'abstraction prend forme au dessus du sens des mots.

     

    Kasetsu explore la frontière entre la calligraphie en tant qu'œuvre d'art dans la vie de tous les jours, et ce qui rend la calligraphie si attrayante, qu'elle soit artistique ou pratique.

    Ecrivant sur elle-même et sur sa vie quotidienne ses œuvres sont inscrites dans la vie qui est approfondie par le lien entre ces deux éléments.

    Dans le seul acte d'écrire avec son corps, il y a un dialogue entre un personnage, elle-même et quelque chose qui la dépasse.

    Les œuvres et les écrits de Kasetsu peuvent être considérées comme une exploration essentielle des possibilités de la calligraphie en tant qu'expression, la calligraphie vit.

     

    Kasetsu est née en 1975 à Kyoto, calligraphe japonaise installée à Tokyo, expose depuis 1992 se concentrant principalement sur l’exploration des possibilités d’expression par l’écriture, elle a également organisé des ateliers d’écritures au Japon et à l’étranger, vécu à Paris, collaboré avec des artistes de différents horizons notamment avec les arts de la danse. Parmi ses nombreuses publications, citons "Nature morte" Seishiga 2001, Heibonsha, jouer avec les pierres «Ishi-no-asobi»,où réside la calligraphie «Sho-no-sumika" 2006.

     

    Ces dernières années son travail a été remarqué dans le domaine de l’art contemporain. Invitée en 2017 par par le Hara Museum dans la région de Nagano « créer les forêts », invitée par le Reitberg Museum de Zurich en Septembre 2018 sur le thème «conversation avec Rosetsu Nagasawa ». Ses oeuvres font notamment partie de la collection du psychiatre Ryûtarô Takahashi. un des plus influents collectionneurs d’art contemporain au Japon.

     

    Explorant l’impulsion primitive de l’homme dans la vie quotidienne Kasetsu évolue dans un courant expressionnisme abstrait en continuité des grands maîtres de la de la 2ème moitié du XXème siècle dans la lignée de l’artiste Yuichi Inoue.

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    TOMOKO KAWAO, Kyoto

     

    Assise sur ses talons, Tomoko Kawao semble méditative. D’ici quelques secondes, la jeune femme va se livrer à une chorégraphie nommée Shodo, le nom japonais pour l’art de la calligraphie.

    En silence, elle salue la toile de plusieurs mètres carrés, s’empare d’une brosse (aux dimensions elles aussi extraordinaires), la trempe dans un vase d’encre, laisse cérémonieusement l’excédent s’écouler. Soudain, elle s’élance, fait glisser le pinceau sur le support gigantesque, s’arrête, le corps en extension, tandis que les fibres gouttent sur la toile, avant de revenir à la source et, ses munitions rechargées, de repartir.

     

    "Du signe au mouvement"

     

    Originaire de Chine et popularisée au Japon au début de l’ère Showa (1926-1989), la pratique du shodo n’a cessée d’évoluer. La mise en scène contemporaine de la calligraphie japonaise créée par l’artiste se veut l’expression de la beauté du signe : ses traits, ses points et cet entre-deux lorsque le pinceau fait vibrer l’air.

    Tomoko Kawao a commencé son apprentissage à l’âge de six ans. Après avoir remporté de nombreux prix au Japon et à l’étranger, elle s’investit désormais dans des projets aussi différents que le signalement d’une station de train, d’un temple ou l’étiquette d’un spiritueux.

     

    « une fois le pinceau posé sur le papier, il n’est plus possible de revenir en arrière ». Ainsi, il en va du shodo comme de la vie : la beauté réside moins dans le résultat que dans la chorégraphie.

     
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    TSUTOMU HOSHITANI , Osaka

     

    Tsutomu Hoshitani vit et travaille à Osaka ; diplômé en 1983 de la Musashino Art School, de Tokyo, la plus ancienne école d'Art de Tokyo créée sous l'ère Meiji, il participe à de nombreuses expositions au Japon.

     

    L'idée de montrer ses oeuvres sur papier est une orientation de la galerie pour déchiffrer les mystères et les forces des peintures de Tsutomu très engagé sur les conditions environnementales et l'évolution de nos sociétés dans la mondialisation.

     

    Approcher le langage hypnotique de ses peintures résonne comme un éveil à la beauté, l'intemporalité et l'impermanence des choses.

    Erosion de formes, fragments émergents, mouvements de couleurs apparaissant sur fond blanc, blanc comme le vide, un vide délimitant une distance immanente, une nature propre, un état de nature ou tout est réalisation de soi et dans lequel le pouvoir de penser se fond avec celui de l'action.

     

    Tsutomu Hoshitani est représenté en France et en Europe en exclusivité par notre galerie depuis 2014.

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    MITSUHIRO OFUNE , Faculty of Fine Arts , Osaka, diplomé en 1983

     

    La qualité visuelle, monochromatique, la texture, sa fluidité, Mitsuhiro Ofune créé une relation singulière avec le spectateur. Proche du méditatif, la dynamique de ses couleurs est perçu comme une force, une énergie. Entre deux instants de vie, l'oeuvre silencieuse nous ouvre la voie d'une action volontaire et réfléchie.

     

    Exposant régulièrement et principalement au Japon, Mitsuhiro Ofune reprend les adages d'anciennes techniques d'impression au tamis. Représenté exclusivement à l'étranger par notre galerie depuis 2014, ses oeuvres intègrent collections privées et fondations.

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    AURORE DE LA MORINERIE, Paris

     

    Une exploration n'est jamais définitive, elle n'est que le commencement de la suivante. Que l'on explore le monde enfermé dans sa chambre ou sur un bateau navigant des Galapagos à l'Equateur en 2011, la quête reste la même ; découvrir ce que nos yeux ne peuvent voir. D'un point à un autre, dans un temps donné, on sait, dès le début de l'aventure, que l'on ne verra, pendant la traversée, qu'une infime partie de la surface des abysses qui, pour autant offre une opportunité formelle et créative , d'autant plus incroyable qu'elle était insoupçonnée.

     

    Cette découverte ne pourra s'effectuer que par la rencontre avec l'autre : scientifiques ou équipage présents sur le navire qui livreront à notre regard une fraction de l'infinité de formes que la vie peut revêtir. Autant d'existences jusqu'alors inconnues qui rencontrent notre imaginaire, l'habitent et, avant tout, questionnent notre place dans cet univers que nous partagions sans le savoir.

     

    Aurore de la Morinerie, artiste invitée parmi l'équipage de l'expédition TARA pour la protection des océans.

     

    Aurore de la Morinerie exerce son art en renouvelant toujours son esprit curieux et explorateur. Diplômée de l'École supérieure des Arts appliqués Duperré, à Paris, illustratrice reconnue depuis les années 90, Aurore travaille auprès de marques de renommée mondiale, U T Magazine du New York Times, Harper's bazar, AD Magazine, ELLE France, ainsi qu'au supplément hebdomadaire du Monde.

     

    Représentée par la galerie Bartsch & Chariau à Munich jusqu'en 2018, elle a participé à des expositions d'illustrations de mode au London Design Museum 2010, au Hamburg Kunst und Gewerbe Mus.

    Le Musée de la Mode de la Ville de Paris - Palais Galliera lui commande une série de monotypes pour le catalogue de l'exposition dédiée à Azzedine Alaïa et pour celui de La Mode retrouvée.Ses œuvres font aujourd’hui partie des collections permanentes du musée.

     

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    YUTAKA YAMAMOTO, Paris

     

     

    Expression du temps et des sentiments, prise de vue intimiste et tirage manuel dans son appartement atelier, Yutaka Yamamoto se situe dans la lignée des grands photographes sillonnant les rues de saint- Germain des Près et son esprit bohème.

     

    Né au Japon en 1955. Yutaka Yamamoto suit des études à l’Ecole Supérieure de Design Kuwazawa de Tokyo, enseignement dont l’esprit est basé sur le concept du Bauhaus.

     

    Directeur artistique de plusieurs magazines féminins japonais, de Madame Figaro Japon, ainsi que du magazine de Toshiba ; il s’installe à Paris en 1990 et collabore avec de nombreux magazines français et étrangers tels que Dépêche Mode, Madame Figaro, Marie-Claire Maison, Votre Beauté, View on Color, Grazia, Kateigaho.

     

    Photographe publicitaire installé à Paris, Yutaka collabore avec Yohji Yamamoto, Cacharel, Michel Klein, Guy Laroche, Kenzo, Hermès, Issey Miyake et réalise lesphotographies du livre Don Perignon Vintage.

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    EVE DORIS - BÖHM, Hambourg

     

    Dans les années 80, je suis passé de l'aquarelle à la peinture, j'ai expérimenté le crayon, mais toujours avec des écritures, en développant des peintures à partir de la ligne, du trait. Après la visite d'une grande exposition sur l'Asie de l'Est, j'ai développé le désir de comprendre la beauté et la puissance d'expression des anciens maîtres calligraphes chinois et japonais et d'étudier la calligraphie sino-japonaise. J'ai ensuite étudié pendant 20 ans auprès du professeur Nangaku Kawamata.

     

    "Pourquoi est-ce que je fais cela ? Les extrêmes de la vie sont ce qui m'intéresse, comment ils s'inscrivent dans la figure humaine, dans les mouvements et les expressions, dans le langage, la musique et tout aussi bien dans la destruction. Et pour comprendre la vie ! Le son de mes tableaux émerge de la vie avec la nature, que l'on peut expérimenter ici au Schaalsee, des bruits tels que le cliquetis des anneaux des cristaux de glace, qui se forment en hiver autour des tiges de roseaux, se frottant les unes contre les autres, l'écoulement de l'eau, son rythme - tout cela devient une partie de ma peinture."

     

    Eve Doris-Böhm est née en 1943, sa jeunesse orientée par l'enseignement des arts graphiques et de la peinture à la Werkkunst-schule de Hambourg, ces école d'arts appliqués d'état dont sont issus les artistes allemands reconnus tels Anni Albers, Gustav Klimt, Otto Dix, Egon Schiele.

    Le parcours d'Eve Doris - Böhm s'est illustré avec une reconnaissance dans le graphisme et l'illustration et son travail artistique exposé dans les galeries de Hambourg ou elle réside à ce jour.

     

     

  • Issen Nishigaki, Kyoto

     

    Ecrin Poétique à Kyoto

     

    A l’Ouest de Kyoto, lorsque l’on déambule au milieu des temples et jardins zen du Daitoku-ji le visiteur a l’impression d’être transporté hors du temps, ou l’architecture de ce complexe de temples historiques sanctuarise une nature apprivoisée de jardins zen et de mousses.

     

    Par un petit passage longeant l’enceinte de cet espace préservé, une petite maison traditionnelle abrite l’atelier d’Issen Nishigaki, artiste calligraphe aux milliers de poèmes.

    A l’intérieure une structure de béton réalisée par son époux l’architecte Yasuhiko Nishigaki, professeur émérite de la faculté d’architecture de Kyoto, tous les codes de l’architecture moderne sont appliqués aux fondations de cette ancienne bâtisse.

     

     

    Solitude picturale

     

    De ses journées rythmées par les saisons, naissent les plus beaux poèmes de cette artiste inspirée. Du fond de sa pensée, cet été sera celui d’une rencontre sous la chaleur pesante de l’été ; dans une atmosphère rafraîchie par d’épais murs de bétons la main de l’artiste exerce le mouvement maîtrisé dans un moment de solitude picturale ; isolement nécessaire à l’accomplissement d’une écriture qui se dilue ainsi dans l’atmosphère habitée d’une poésie picturale.

     

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    DESIGN & ARTISANAT FINLANDAIS

     
     
     

    NIKARI

     

    Située dans l'historique village de Fiskars au sud d'Helsinki, depuis 1967 NIKARI est un atelier de fabrication de mobilier de bois massif transmettant la passion d'une fabrication locale, respectant toutes les étapes de fabrication.

     

    Editeur d'un mobilier recherché, Nikarir eprésente en Finlande les valeurs d'une fabrication locale et responsable en dirigeant la créativité d'un mobilier simple, fonctionnel et durable.

     

    En quelques années, Nikari est devenu un des acteurs majeurs du renouvellement créatif finlandais à la frontière entre art et artisanat. Présent sur les plus grands salons de design internationaux et les nouveaux projets d'architecture intérieure.

     

    Signé par les grands noms du design minimaliste John Pawson, Cecilie Manz, Jasper Morrison, Jenni Roininen, Wataru Kumano, Claesson Koivisto Rune.

     

    Depuis 2017 Nikari nous a confié rôle d'ambassadeur de leur atelier pour mettre en lumière un design mobilier porté par le respect des essences et la valeur d'un mobilier durable à transmettre. Destiné aux projets d'architecture intérieure de la maison de famille à l'identité d'une grande marque de luxe.

     

    Au Printemps 2021, nous participons à l'aménagement du nouveau siège parisien de HERMES Parfum composé des bureaux de direction, son restaurant, salles de conférences.

     

    www.nikari.fi

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    g a l e r i e

     

    A N T H O L O G I E

     

     

     

     

    ANTHOLOGIE & ASSOCIES

    O F F I C E

     

    320, rue Saint-Honoré

    75001 P A R I S

     

     

     

     

    ART ADVISORY - PARIS & KYOTO

     

     

    Denis Ribreau ceo/fondateur

     

    +33. 06 61 18 84 86

    galerieanthologie@gmail.com

     

     

     

    www.galerieanthologie.com