A N T H O L O G I E
Fondée à Paris en 2009, ANTHOLOGIE repose sur un dialogue créatif entre l'Europe et l'Asie, une exploration initiée en 1999.
Porté par son experience exercée vingt années auprès des grands noms du design international, de l'architecture et ses relations établies de longue date avec le Japon, Denis Ribreau son fondateur, dessine les contours d'une cartographie imaginée autour d'un petit collectif d'artistes européens et japonais dotés d'une forte maturité à éveiller nos sens.
Le Japon et les pays nordiques partagent un rapport intime à la nature et aux éléments. Contrées relativement éloignées du reste du monde, recouvertes de forêts et dont la culture singulière est préservée, japonais et finlandais entretiennent une même relation à l'espace, à la lumière, et dans leur comportement, leur discrétion, leur précision, ils se ressemblent beaucoup.
Pour apprécier ce dialogue esthétique d'une rare fluidité, rendez-vous à Paris ou la galerie Anthologie présente des oeuvres réalisées à quatre mains par des artistes nordiques et asiatiques.
Le Monde, Octobre 2019
Hors-série Japon, Influence Japonaise
Entretien @Galerie Anthologie
A PROPOS
LIENS EUROPE - ASIEFondée en 2009, Anthologie est l'expression d'un dialogue créatif initié en 1999 entre la France et le Japon.
Évoluant avec les grands noms du design international et de l'architecture depuis vingt années, son fondateur Denis Ribreau a construit des relations profondes et amicales auprès d'artistes, artisans, designers, créant au fil du temps sa propre orientation dans le domaine de l'art et de l'architecture auprès d'une nouvelle génération de créatifs recherchés.
INTUITION NARRATIVELes relations longues distances sont parfois les plus passionnées et nos liens établis de longue date avec l'Asie posent les fondations d'une galerie explorant créativité et transmission des savoirs.
La galerie Anthologie repose ainsi sur une complicité intuitive.
Donner à voir ce qui échappe au regard, être, sentir l'instant devant soi ; montrer et dire sur le mode de la parole silencieuse. Établir une relation avec l'inconnu, en recherchant un minimum d'intervention devant le spectateur, en un mot, viser juste.
COLLECTIF CREATIFA l'image d'une petite fondation culturelle, au delà du circuit traditionnels de galeries plus communicatives, notre volonté est de représenter fidèlement et dans le temps un petit collectif d'artistes avec lequel nous partageons une réflexion et compréhension mutuelle sur les enjeux environnementaux du XXI ème siècle.
Située à Paris rive gauche, sur le chemin du musée Guimet, d' Orsay et des du Quai Branly, une petite galerie explore secrètement un monde sensible qui se dessine.
TRANSMISSION DES SAVOIRSLa galerie approfondie pas à pas cette approche manuelle et gestuelle auprès du public, institutions, écoles d'art, musées et fondations.
Hiver 2017, la Finlande était à l'honneur au Japon et exposée au Takenaka Tools Museum de Kobe.
A l'été 2018 l'atelier Nikari ouvrait les portes de ses ateliers à la famille impériale pour inaugurer les relations culturelles entre la Finlande et le Japon dans la valorisation des ressources naturelles et la transmission des savoirs.
FINLANDE -JAPONNotre activité est centrée sur la transmission de savoirs-faire auprès de nouvelles générations de créatifs dotés d'une maîtrisedans les arts traditionnels de la calligraphie, céramique, sculpture sur bois, fabrication du papier. Effet miroir entre cultures éloignées, notre expertise au fil des années à la source des savoirs du Japon et de la Finlande.
Impliqués dans de nombreux projets d'architecture, au printemps 2021 nous signons notre participation à l'aménagement du nouveau siège parisien HERMES Parfum en prescrivant le mobilier finlandais NIKARI pour leurs bureaux de direction, salles de réunions et salle de restaurant.
FONDS D'ART CONTEMPORAINReposant sur une collection de plusieurs centaines d'œuvres, la galerie pointe son regard vers un Japon doté d'une forte capacité à éveiller nos sens.
Donner à voir ce qui échappe au regard, être, sentir l'instant devant soi, montrer et dire sur le mode de la parole silencieuse. Établir une relation avec l'inconnu, en recherchant un minimum d'intervention devant le spectateur, en un mot, viser juste.
ART CONTEMPORAIN
KASETSU, Tokyo
Kasetsu vit à Tokyo, représentée pour la première fois en Europe et en France par notre galerie exclusivement depuis 2020.
Sur les bases de la calligraphie en employant l'encre et le pinceau, Kasetsu utilise sa propre réthorique artistique et unique. Immérgée physiquement, Kasetsu exerce son énergie dans l'état spirituel ou elle se trouve, réalisant des multiples jusqu'à la réalisation de l'oeuvre parfaite. Les lignes se réalisant d'elles mêmes dans l'action, au delà du caractère l'abstraction prend forme au dessus du sens des mots.
Kasetsu explore la frontière entre la calligraphie en tant qu'œuvre d'art dans la vie de tous les jours, et ce qui rend la calligraphie si attrayante, qu'elle soit artistique ou pratique.
Ecrivant sur elle-même et sur sa vie quotidienne ses œuvres sont inscrites dans la vie qui est approfondie par le lien entre ces deux éléments.
Dans le seul acte d'écrire avec son corps, il y a un dialogue entre un personnage, elle-même et quelque chose qui la dépasse.
Les œuvres et les écrits de Kasetsu peuvent être considérées comme une exploration essentielle des possibilités de la calligraphie en tant qu'expression, la calligraphie vit.
Kasetsu est née en 1975 à Kyoto, calligraphe japonaise installée à Tokyo, expose depuis 1992 se concentrant principalement sur l’exploration des possibilités d’expression par l’écriture, elle a également organisé des ateliers d’écritures au Japon et à l’étranger, vécu à Paris, collaboré avec des artistes de différents horizons notamment avec les arts de la danse. Parmi ses nombreuses publications, citons "Nature morte" Seishiga 2001, Heibonsha, jouer avec les pierres «Ishi-no-asobi»,où réside la calligraphie «Sho-no-sumika" 2006.
Ces dernières années son travail a été remarqué dans le domaine de l’art contemporain. Invitée en 2017 par par le Hara Museum dans la région de Nagano « créer les forêts », invitée par le Reitberg Museum de Zurich en Septembre 2018 sur le thème «conversation avec Rosetsu Nagasawa ». Ses oeuvres font notamment partie de la collection du psychiatre Ryûtarô Takahashi. un des plus influents collectionneurs d’art contemporain au Japon.
Explorant l’impulsion primitive de l’homme dans la vie quotidienne Kasetsu évolue dans un courant expressionnisme abstrait en continuité des grands maîtres de la de la 2ème moitié du XXème siècle dans la lignée de l’artiste Yuichi Inoue.
TOMOKO KAWAO, Kyoto
Assise sur ses talons, Tomoko Kawao semble méditative. D’ici quelques secondes, la jeune femme va se livrer à une chorégraphie nommée Shodo, le nom japonais pour l’art de la calligraphie.
En silence, elle salue la toile de plusieurs mètres carrés, s’empare d’une brosse (aux dimensions elles aussi extraordinaires), la trempe dans un vase d’encre, laisse cérémonieusement l’excédent s’écouler. Soudain, elle s’élance, fait glisser le pinceau sur le support gigantesque, s’arrête, le corps en extension, tandis que les fibres gouttent sur la toile, avant de revenir à la source et, ses munitions rechargées, de repartir.
"Du signe au mouvement"
Originaire de Chine et popularisée au Japon au début de l’ère Showa (1926-1989), la pratique du shodo n’a cessée d’évoluer. La mise en scène contemporaine de la calligraphie japonaise créée par l’artiste se veut l’expression de la beauté du signe : ses traits, ses points et cet entre-deux lorsque le pinceau fait vibrer l’air.
Tomoko Kawao a commencé son apprentissage à l’âge de six ans. Après avoir remporté de nombreux prix au Japon et à l’étranger, elle s’investit désormais dans des projets aussi différents que le signalement d’une station de train, d’un temple ou l’étiquette d’un spiritueux.
« une fois le pinceau posé sur le papier, il n’est plus possible de revenir en arrière ». Ainsi, il en va du shodo comme de la vie : la beauté réside moins dans le résultat que dans la chorégraphie.
TSUTOMU HOSHITANI , Osaka
Tsutomu Hoshitani vit et travaille à Osaka ; diplômé en 1983 de la réputée Musashino Art School, de Tokyo, la plus ancienne école d'Art de Tokyo créée sous l'ère Meiji, il participe à de nombreuses expositions essentiellement au Japon.
L'idée de montrer ses oeuvres sur papier est une orientation de la galerie pour déchiffrer les mystères et les forces des peintures de Tsutomu très engagé sur les conditions environnementales l'évolution de nos sociétés, l'impact sociétal de la mondialisation.
Approcher le langage hypnotique de ses peintures résonne comme un éveil à la beauté, l'intemporalité et l'impermanence des choses.
Erosion de formes, fragments émergents, mouvements de couleurs apparaissant sur fond blanc, blanc comme le vide, un vide délimitant une distance immanente, une nature propre, un état de nature ou tout est réalisation de soi et dans lequel le pouvoir de penser se fond avec celui de l'action.
Tsutomu Hoshitani il est représenté en France et en Europe en exclusivité par notre galerie depuis 2014.
- SERMON TO THE DEAD BIRDS / MESSAGE AUX OISEAUX - TSUTOMU HOSHITANI - 2018Drawing / Dessins au crayon gras et charbon 710x130 & 150x180 ht
- TSUTOMU HOSHITANI - DEUCALION, 2017 - 2018 - 2019Technique mixte peinture gouache & acrylique, crayon sur papier. Dimensions 50x70 cm / 60x80 cm Ht
- TSUTOMU HOSHITANI - FLOWER 2020, oeuvres signéesEncre lavis à l'encre japonaise sur papier artisanal - Grands formats 56x112 - 112x112cm Ht
TSUTOMU HOSHITANI - RESORT PROJECT COLLABORATION 2020
GWENAEL NICOLAS CURIOSITY ARCHITECTES - TOKYO
- TSUTOMU HOSHITANI - CANDIES 2020oil on canvas, 20x30 / 40x50
TSUTOMU HOSHITANI 2019
DEUCALION painting
MITSUHIRO OFUNE , Faculty of Fine Arts , Osaka, diplomé en 1983
La qualité visuelle, monochromatique, la texture, sa fluidité, Mitsuhiro créé une relation singulière avec le spectateur. Proche du méditatif, la dynamique de ses couleurs est perçu comme une force, une énergie. Entre deux instants de vie, l'oeuvre silencieuse nous ouvre la voie d'une action volontaire et réfléchie.
Exposant régulièrement et principalement au Japon, Mitsuhiro Ofune reprend les adages d'anciennes techniques d'impression au tamis. Représenté exclusivement à l'étranger par notre galerie depuis 2014, ses oeuvres intègrent collections privées et fondations.
Aru toki no katachi / La forme de l'instant, 2014
Monotypes pièces uniques à l'encre japonaise sur papier / Dimensions 50x40cm - 20x30cm & 14x18 cm
AURORE DE LA MORINERIE, Paris
Une exploration n'est jamais définitive, elle n'est que le commencement de la suivante. Que l'on explore le monde enfermé dans sa chambre ou sur un bateau navigant des Galapagos à l'Equateur en 2011, la quête reste la même ; découvrir ce que nos yeux ne peuvent voir. D'un point à un autre, dans un temps donné, on sait, dès le début de l'aventure, que l'on ne verra, pendant la traversée, qu'une infime partie de la surface des abysses qui, pour autant offre une opportunité formelle et créative , d'autant plus incroyable qu'elle était insoupçonnée.
Cette découverte ne pourra s'effectuer que par la rencontre avec l'autre : scientifiques ou équipage présents sur le navire qui livreront à notre regard une fraction de l'infinité de formes que la vie peut revêtir. Autant d'existences jusqu'alors inconnues qui rencontrent notre imaginaire, l'habitent et, avant tout, questionnent notre place dans cet univers que nous partagions sans le savoir.
Aurore de la Morinerie, artiste invitée parmi l'équipage de l'expédition TARA pour la protection des océans.
Aurore de la Morinerie exerce son art en renouvelant toujours son esprit curieux et explorateur. Diplômée de l'École supérieure des Arts appliqués Duperré, à Paris, illustratrice reconnue depuis les années 90, Aurore travaille auprès de marques de renommée mondiale, U T Magazine du New York Times, Harper's bazar, AD Magazine, ELLE France, ainsi qu'au supplément hebdomadaire du Monde.
Représentée par la galerie Bartsch & Chariau à Munich jusqu'en 2018, elle a participé à des expositions d'illustrations de mode au London Design Museum 2010, au Hamburg Kunst und Gewerbe Mus.
EN 2013 ET 2015 , le Musée de la Mode de la Ville de Paris - Palais Galliera lui commande une série de monotypes pour le catalogue de l'exposition dédiée à Azzedine Alaïa et pour celui de La Mode retrouvée. Dix œuvres de l'artiste font aujourd’hui partie des collections permanentes du musée.
Ses expositions personnelles ont récemment eu lieu à la galerie Stefan Vogt à Muniche et la très reconnue galerie Akio Nagasawa de Tokyo.
BLEUE - AURORE DE LA MORINERIE, AVRIL 2021
FONDS D'OR ET HUILE SUR PAPIER ARTISANAL - OEUVRES UNIQUES SIGNEES - Dimensions 33x67 Ht
MEDITERRANEE - AURORE DE LA MORINERIE, JUILLET 2022.
EXPOSITION EN ECHO AVEC LA PARUTION DE SON DERNIER OUVRAGE AUX EDITIONS LOUIS VUITTON TRAVEL BOOL 2022
FONDS D'OR ET HUILE SUR PAPIER ARTISANAL & MONOTUPES - OEUVRES UNIQUES SIGNEES - Dimensions 33x67 Ht
YUTAKA YAMAMOTO, Paris
Expression du temps et des sentiments, prise de vue intimiste et tirage manuel dans son appartement atelier, Yutaka Yamamoto se situe dans la lignée des grands photographes sillonnant les rues de saint- Germain des Près et son esprit bohème.
Né au Japon en 1955. Yutaka Yamamoto suit des études à l’Ecole Supérieure de Design Kuwazawa de Tokyo, enseignement dont l’esprit est basé sur le concept du Bauhaus.
Directeur artistique de plusieurs magazines féminins japonais, de Madame Figaro Japon, ainsi que du magazine de Toshiba ; il s’installe à Paris en 1990 et collabore avec de nombreux magazines français et étrangers tels que Dépêche Mode, Madame Figaro, Marie-Claire Maison, Votre Beauté, View on Color, Grazia, Kateigaho.
Photographe publicitaire installé à Paris, Yutaka collabore avec Yohji Yamamoto, Cacharel, Michel Klein, Guy Laroche, Kenzo, Hermès, Issey Miyake et réalise lesphotographies du livre Dom Perignon Vintage 1988.
EVE DORIS - BÖHM, Hambourg
Dans les années 80, je suis passé de l'aquarelle à la peinture, j'ai expérimenté le crayon, mais toujours avec des écritures, en développant des peintures à partir de la ligne, du trait. Après la visite d'une grande exposition sur l'Asie de l'Est, j'ai développé le désir de comprendre la beauté et la puissance d'expression des anciens maîtres calligraphes chinois et japonais et d'étudier la calligraphie sino-japonaise. J'ai ensuite étudié pendant 20 ans auprès du professeur Nangaku Kawamata.
"Pourquoi est-ce que je fais cela ? Les extrêmes de la vie sont ce qui m'intéresse, comment ils s'inscrivent dans la figure humaine, dans les mouvements et les expressions, dans le langage, la musique et tout aussi bien dans la destruction. Et pour comprendre la vie ! Le son de mes tableaux émerge de la vie avec la nature, que l'on peut expérimenter ici au Schaalsee, des bruits tels que le cliquetis des anneaux des cristaux de glace, qui se forment en hiver autour des tiges de roseaux, se frottant les unes contre les autres, l'écoulement de l'eau, son rythme - tout cela devient une partie de ma peinture."
Eve Doris-Böhm est née en 1943, sa jeunesse orientée par l'enseignement des arts graphiques et de la peinture à la Werkkunst-schule de Hambourg, ces école d'arts appliqués d'état dont sont issus les artistes allemands reconnus tels Anni Albers, Gustav Klimt, Otto Dix, Egon Schiele.
Le parcours d'Eve Doris - Böhm s'est illustré avec une reconnaissance dans le graphisme et l'illustration et son travail artistique exposé dans les galeries de Hambourg ou elle réside à ce jour.
A R T I S A N A T & D E S I G N
Le japon et la Finlande représentent un niveau de maturité dans ce domaine et nos principales collaborations depuis 2009 sont le reflet de notre expertise et reconnaissance dans ce domaine auprès d'artistes et artisans reconnues recherchés pour leur approche singulière.
Précurseur d'un nouveau mouvement porté par la sensibilité au travail manuel et artisanal, nous avons contribué à remettre en avant en France une nouvelle génération d'artisans japonais en collaborant avec label SFERA basé à Kyoto en 2010, Shigeo Mashiro,Kaikado, Kanami Tsuji, Hosoo, entrainant de belles collaborations auprès de Louis Vuitton, Le Bon Marché et nombreux prochains en France et Europe.
Nous partageons notre réseau d'une centaines de créatifs à destination de projets de restaurants, hôtels, privés, architecture intérieure et participons ainsi a de nombreuses expositions sur la place parisienne, Le Bon Marché, Galerie Bensimon, Galerie Leo Arte fondée par Christian Liaigre, Merci ..
Orientation de nos partenariats sous contrats :
National University of Singapore - NUS / DIC Design Incubation Center - NUS Singapore
Furniture Council of Singapore - SFIC Singapore
Japanese crafts : SFERA Kyoto, Shigeo Mashiro - Kanaami Tsuji - Hosoo - Suji Nakagawa - Kaikado - Takagi - Ren Hueara - Hideo Sawada...
MEETEE Matsuso : woodworking furniture Design , Hiroshima :Design Harri Koskinen, Jin Kuramoto, Claesson Koivisto Rune, Stefan Diez.
Institut Finlandais
NIKARI, Direction France, Editeur d'un mobilier durable en Finlande : Design Cecilie Manz, Claesson Koivisto Rune, Jasper Morrison, Harri Koskinen, Jenni Roininen, Nao Tamura..
NIKARI / Takenaka Tools Museum, Kobe Japon...
Collaborations : Le Bon Marché - Galerie Léo Arte fondée par Christian Liaigre - Merci ...
Presse : Ideat, Le Monde, Le Figaro, Madame Figaro, Artnewspaper, Egdgard Magazine, Milk, Ocula.
Design fairs : Fiera Milan - Now M&O - IFFT Tokyo - FF Cologne - IF Stockholm
Arts Fairs : Salon Dessin Paris - Asia Now Paris 2020 - Asia Now Paris 2021 - Asia Now Paris 2022
- ARTISANAT EN FINLANDE
Située dans l'historique village de Fiskars au sud d'Helsinki, depuis 1967 NIKARI est un atelier de fabrication de mobilier de bois massif transmettant la passion d'une fabrication locale, respectant toutes les étapes de fabrication.
Editeur très confidentiel, NIKARI représente le design Finlandais portant les valeurs d'une fabrication locale et responsable d'un mobilier simple, fonctionnel et durable ; ece depuis sa création par le menuisier Kari Virtanen qui fabricatait le mobilier en bois massif pour les projets de l'architecte Alvar Aalto.
En quelques années, NIKARI est devenu un des acteurs majeurs du renouvellement créatif finlandais à la frontière entre art et artisanat. Présent sur les plus grands salons de design internationaux et les nouveaux projets d'architecture intérieure.
Ateliers équipés d'une énergie hydro-électrique depuis leur origine ; sélection rigoureuse des essences selon leur cycle de vie, gestion des déchets et utilisation des bois dans leur intégralité, participation aux campagnes internationales de reboisement. Investissement des bénéfices dans des forêts locales, autant de valeurs véhiculées dans la simplicité formelle d'un mobilier aux tons clairs et chaleureux.
Depuis 2017 nous sommes le partenaire principal de NIKARI et dirigeons exclusivement leur positionnement en France avec pour objectif de mettre en place la visibilité d'un design responsable orienté vers de nouveaux projets d'architecture intérieure publics et privés.
Signé par les grands noms du design minimaliste John Pawson, Cecilie Manz, Jasper Morrison, Jenni Roininen, Wataru Kumano, Claesson Koivisto Rune... au Printemps 2021, nous réalisons ainsi l'aménagement mobilier du nouveau siège parisien de HERMES Parfum composé des bureaux de direction, son restaurant d'entreprise et salles de conférences.
www.nikari.fi
ARTISANAT & DESIGN AU JAPON
Les artisans japonais illustrent parfaitement la définition du design où la forme rencontre la fonction sans apport décoratif, inutile et superflu. Une règle de base pour créer un objet beau et utile : la sensibilité kansei qui correspond à la finesse et se rapporte à la nature. Elle s’exprime aussi dans le choix des matériaux, le sens aigu des couleurs et du détail. En bref, l’objet doit émouvoir le spectateur à sa vue et à son toucher. L’harmonie wa, dans une conception traditionnelle, consiste à concilier des notions en apparence contradictoires. Et l’influence de l’artisanat est importante même dans la production industrielle.
Tradition en évolution à partir des années 1950, dans les ateliers d’artisans qui fabriquent des objets à la modernité intemporelle et millénaire, le design japonais s’est enrichi de la culture scandinave. Fabriqués artisanalement, les objets ont cependant la même fonction : participer à une forme de convivialité et partager des interactions humaines en créant une parenthèse dans leur vie. En effet, replacer l'émotion au cœur de l’humain est la mission des créateurs japonais avec lesquels nous partageons notre exploration.
FUCHU, basé à HIROSHIMA, dans la partie occidentale du Japon, a hérité de l'histoire et de l'artisanat de haute qualité en tant que source majeure de meubles depuis de nombreuses années.
Sur la base des techniques et des traditions héritées, le jeune label initié sou le nom de MEETEE a été lancé en 2014 par deux manufactures historiques de la région pour exprimer des idées et des interprétations modernes à travers le mobilier. En n'utilisant que des matériaux et des méthodes de fabrication de la plus haute qualité, MEETEE se concentre sur une nouvelle vision de la conception de meubles contemporains adaptés aux styles de vie modernes et aux plus hauts niveaux d'artisanat.
JIN KURAMOTO, COLLECTION NADIA, 2014, JAPAN GOOD DESIGN AWARD
L'héritage de nombreuses techniques de travail du bois utilisées par les charpentiers japonais provient des charpentiers de marine japonais.
En tant que nation insulaire, il n'est pas surprenant que l'industrie maritime ait été une force motrice de l'innovation dans la construction en bois pendant des siècles. La série Nadia a été développée en se concentrant sur une méthode particulière, appelée "kumiki", qui utilise des techniques de construction par emboîtement.
Le résultat est une série de meubles contemporains en érable ou oser massif qui harmonisent les aspects du design avec la structure de haut niveau du "kumiki", tout en faisant un clin d'œil affectueux aux navires en bois d'autrefois.CLAESSON KOIVISTO RUNE , COLLECTION FIVE, EDITION MEETEE MATSUSO
Nous vivons dans un monde composé de cinq éléments dont nous faisons l'expérience par le biais de nos cinq sens.
Cinq, c'est doucement bizarre. Cinq n'est pas trop. Cinq est beau.
Une figure à cinq côtés s'appelle un pentagone. Nous avons développé une forme qui combine un cercle et un pentagone.
La chaise, la table, la tringle à vêtements et les autres membres de la famille Five partagent tous cette forme emblématique.
Fabriqués sans compromis en bois massif, par les meilleurs artisans japonais.
OBJETS D'ART AU JAPON
La région montagneuse de Nagano abrite des essences de bois qui ne se trouvent qu'à cette partie du monde.
Bois sacrés aà la durée de vie millénaire, certaines essences comm le hinoki et le sugi sont considérées comme les meilleurs matériaux de constructions au monde.
Savoirs-faire des charpentiers utilisés dans tout le Japon , ces bois inaltérables répondent à l'exigence de la main de l'homme pour façonner de simples objet du quotidien.
EDITION LIMITEE
National University of Singapore - NUS "Objects around tablescape" - d.lab Edition 2010 / 2012
PIECES UNIQUES
La texture et la douceur du papier semblaient bien adaptées au style de l'architecture japonaise avec ses intérieurs jouant de la lumière au fil de la journée et des saisons.
L'architecture traditionnelle utilise des matériaux fragiles et peu resistants comme le bois, le papier, la terre ; définissant les espaces de vie par des lignes horizontales et verticales.
Tirer partie de la nature pour la transformer en objet d'une grande sensibilité destiné à vivre une longue histoire auprès des générations futures a beaucoup de sens dans notre engagement. La table dessinée par le jeune designer Hiromitsu Konishi, titrée du KYOTO DESIGN AWARD, se plie, se déplace et se range, esprit fidèle à l'esprit traditionnel et fonctionnel en Asie.
La fabrication est réalisée par un atelier en activité depuis 140 ans ; découpe, pliage de chaque feuille façonnée à la main pour obtenir un résultat d'assemblage lui offrant une singularité recherchée pour chaque objet. Edition limitée par notre galerie, édition en 12 exemplaires.
E X P O S I T I O N S
SALON DESSIN 2020
ATELIER RICHELIEU Paris 1er - 18 - 21 Septembre 2020
ASIA NOW PARIS 2020
Asian Art Fair 21/24 Oct 2020 - 9, Avenue Hoche - Paris 8ème
www.asianowparis.comPour la 6ème édition de ASIA NOW 2020, la galerie ANTHOLOGIE expose sur ASIA NOW
parmi les acteurs reconnus de la création parisienne ; Galerie Laffanour, Nathalie Obadia, Galerie Mingei, Galerie Perrotin, Maria Lund.
ASIA NOW PARIS 2021
Asian Art Fair 21/24 Oct 2021 - 9, Avenue Hoche - Paris 8ème
www.asianowparis.comPour la 7ème édition de ASIA NOW 2020, la galerie ANTHOLOGIE expose sur ASIA NOW
parmi les acteurs reconnus de la création parisienne ; Galerie Perrotin, Nathalie Obadia, DanielTemplon, galerie Taménaga
P R E S S E
Nous nous efforçons sans cesse d'améliorer notre travail avec dévouement dans le domaine de l'art, de l'artisanat et de l'architecture intérieure auprès de talents émergents que nous jugeons essentiels pour un avenir meilleur.Depuis 1999, notre collection repose sur un fonds de plus de 300 oeuvres référencées dans le monde de l'art, du design de l'artisanat en provenance du Japon.des pièces représentatives de srelations entretenues dans l'art contemporain, l'artisanat et le design de ce début du XXIème siècle.Depuis 2009 nos parutions couvrent le monde de l'art et du design ; IDEAT / LE MONDE / LE FIGARO / ART NEWSPAPER / EDGAR / MADAME FIGARO ..
