A N T H O L O G I E
A D V I S O R A T
JAPANESE ART & ROPEAN ORDIC CRAFTSMANSH
E D I T O R I A L
Etablis à Paris et Kyoto, depuis 2001 Denis Ribreau pose les fondations d'un espace de découverte
pour au delà de la forme et de la matière, faire émerger une sensibilité dans la création contemporaine au plus près des ateliers et des artistes établis.
Notre cheminement est caractérisé par une esthétique minimale et poétique,
par la présence simplifiée d'une palette de couleurs et de matériaux auprès d'artistes reconnus et émergents.
Autour d'un petit collectif, dans un esprit plus confidentiel à l'image de cultures nordiques et d'asie,
Anthologie explore un monde sensible qui se dessine.
Au cours de conversations inspirantes avec des esprits créatifs dans l’architecture, la mode, l’art, nous explorons comment ils sont guidés par leur vision et comment ils l’expriment dans quotidien.
En chemin, ils nous fournissent un aperçu intéressant de leur processus créatif et révèlent comment ils perçoivent et façonnent le monde.
Depuis 2001, la galerie approfondit son expertise dans l'art contemporain au Japon s'ouvrant à toutes formes artistiques et artisanales auprès d'artistes reconnus.
La galerie interprête une appproche basée sur la conviction que l'engagement dans le monde matériel élève la conscience de soi.
Notre contribution au monde de l'art nous efforce de repousser nos limites en recherchant des artistes capables d'y contribuer en poursuivant leur démarche hors des sentiers saturés du marché de l'art;
Nos correspondances entretenues depuis une vingtaine d'années définissent un fonds d'art de plusieus centaines d'oeuvres collectées au fil du temps..
-
Porté par son parcours parmi les acteurs majeurs du design international, de l'art et ses relations partagées avec le Japon ; son fondateur Denis Ribreau, dessine les contours d'une cartographie imaginée autour d'un collectif d'artistes et d'artisans européens et japonais dotés d'une forte maturité à éveiller nos sens.
Le japon et les pays nordiques partagent un rapport intime à la nature et aux éléments. Contrées relativement éloignées, recouvertes de forêts et dont la culture singulière est préservée, japonais et finlandais entretiennent une même relation à l'espace, à la lumière, et dans leur comportement, leur discrétion, leur précision, leur honnêteté, ils se ressemblent beaucoup.
Pour apprécier ce dialogue esthétique d'une rare fluidité, rendez-vous à Paris ou la galerie Anthologie présente des oeuvres réalisées à quatre mains par des artistes nordiques et asiatiques.
Le Monde, Octobre 2019
Hors-série Japon
-
SETSUKO NAGASAWA
Née à Kyoto en 1941, auprès des maîtres céramistes tel Kenkichi Tomimoto, Setsuko Nagazawa s'imprègne de l'essence des arts de la terre et du feu au Japon. De 1964 à 1966, Setsuko fait son premier séjour prolongé en Occident, à Genève. A son retour à Kyoto, Setsuko installe son premier atelier en 1967. En 1972, elle fait un stage de céramique chez Takashi Nakazato. Un an plus tard, elle est invitée à suivre les cours de Paul Soldner au Scripps College, Claremont, Californie. À partir de 1974, son désir d'élargir son horizon artistique ramène Setsuko en Europe ; à Aix-en-Provence, puis en 1975 à Genève. Elle entreprend alors des études à l'Ecole des Beaux-Arts de Genève et obtient le diplôme de sculpteur et acquiert une grande indépendance d’expression lors de ses collaborations.
De 1977 à 1979, Setsuko Nagazawa enseigne en France à l'Atelier de Font Blanche. A partir de 1979, elle enseigne à l'Ecole des Arts décoratifs de Genève. Membre de l'Académie internationale de la céramique IAC depuis 1979, Setsuko Nagasawa a été artiste en résidence au Keramische Werkcentrum de Heusden en 1985 et au European Ceramics Work Centre en 1991 et 2003 aux Pays-Bas. En1987, elle est invitée à l'université d'État de Californie à Long Beach, États-Unis. De 1991 à 2006, elle enseigne à l'Ecole Supérieure d'Art Visuel de Genève jusqu’en 2005 tout en poursuivant ses activités créatives dans son atelier parisien jusqu’à ce jour.
Setsuko Nagasawa expose régulièrement ses œuvres en Europe et au Japon auprès des institutions et galeries d’art reconnues. Exposée à la cité de la Céramique de Sèvres depuis les années 2000 : Circuit Céramique en 2010, De Rodin à Schûtte en 2016 et Expérience de la couleur en 2018 , au centre de la céramique de La Borne en 2017. Les Flammes l’art vivant de la céramique au musée d’art moderne de Paris en 2021. Exposition personnelle à HEAG Haute Ecole d’art et de Design de Genève en 2021.
-
TSUTOMU HOSHITANI
Diplomé de la Musashino art school de Tokyo en 1983, Tsutomu Hoshitani partage sa vie entre Osaka oul il enseigne l'art et sa maison dans les montagnes de nagano. Il puise son inspiration dans l'héritage culturel de l'histoire de la peinture japonaise et témoigne depuis ses débuts pour l'environnement et l'avenir de nos sociétés.
Ses oeuvres subtiles de compositions colorées et de monochromes jouent avec la texture, la lumière et l'ombre. Réalisées pour la plupart au charbon de bois, mine graphite s'appliquent sur un papier épais pour accueillir la trace et l'appui du geste. Ses créations témoignent de son sens aigu de la matérialité et de son profond intérêt philosophique. On peut ressentir l'essence de la peinture et du trait japonais mettant l'accent sur le sentiment d'unité naturelle à travers l'acte de répétition.
L'exploration du concept de vide dans l'art minimaliste est une contribution essentielle à l'élargissement
de notre compréhension de l'art en tant qu'outil introspectif et philosophique.
Des artistes et des représentants des mouvements de l'art minimal ont compris le vide
comme un espace plein de potentiel inspirant et plein de possibilités ; nous invitant à faire une pause, à, ressentir et à percevoir à distance.
L'art à l'esthétique minimaliste est souvent come un outil externe permettant
d'accéder à ces connaissances intérieures, ne distrait pas nos pensées et nous ancre dans le présent pendant que nous le contemplons.
-
DANIEL PONTOREAU
Faire exister ce qu'il imagine sans en avoir l'idée ; Daniel Pontoreau manie la terre, la céramique, cette terre parcourue par cet insatiable voyageur, créant des formes des signes, qui peuvent être perçus par les hommes de toutes les cultures, un langage qui parle à tous.
Daniel Pontoreau, né à Paris en 1947, est un des plus importants représentant de la nouvelle céramique française des annes 80. Proches de l'Arte Povera, ni figuratives ni abstraites, ses sculptures en terre cuite souvent de grandes dimensions exposées en extérieur, révèlent toute l'essence de la matière créant une résonance avec la lumière, le paysage et l'architecture des lieux.
Ses oeuvres sont présentes dans de nombreuses collections publiques en France au Musée d'art moderne de la ville de Paris, Fonds national d'art contemporain, Musée des Beaux-art de Lyon ; en Chine International Ceramic art de Fuping, au Japon Hyogo Museum of Ceramic, Museum de céramique de Shigaraki et de Gifu, en Corée au Clayarch Gimhae Museum. Une importante monographie consacrée en 2023 au centre de Céramique Keramis de Louvière en Belgique. A l'automne 2024 une expsition au Japon avec Takesada Matsutani.
Daniel Pontoreau a été honoré pour son travail de la Médaille des Art de l'Académie d'Architecture à Paris en 2018.
Au cours de rencontres inspirantes avec des esprits créatifs dans le domaine de l'art, de l'architecture, de l'artisanat, de la mode, nous explorons comment leur attitude peut nous guider à travers leurs oeuvres.
L'approche de leur processus créatif et nos rencontres dans des régions plus éloignées du Japon et de le Finlande éveille nos sens et notre goût de l'aventure, de liberté et de rencontres.
Pendant des siècles les artistes reproduisaient la réalité depuis l'émergence de l'art abstrait ces représentations se sont peu à peu dissoutes pour se libérer de la représentation figurative d'objets et de scènes de vie.
Puisant dans toutes ces expériences, à travers nos correspondances en europe du nord et en asie nous interprétons une approche globale de ces nombreux courants de pensée.
TOMOKO KAWAO
Assise sur ses talons, Tomoko semble méditative. D’ici quelques secondes, la jeune femme va se livrer à une chorégraphie nommée Shodo, le nom japonais pour l’art de la calligraphie.
En silence, elle salue la toile de plusieurs mètres carrés, s’empare d’une brosse (aux dimensions elles aussi extraordinaires), la trempe dans un vase d’encre, laisse cérémonieusement l’excédent s’écouler. Soudain, elle s’élance, fait glisser le pinceau sur le support gigantesque, s’arrête, le corps en extension, tandis que les fibres gouttent sur la toile, avant de revenir à la source et, ses munitions rechargées, de repartir.
Du signe au mouvement ; originaire de Chine et popularisée au Japon au début de l’ère Showa (1926-1989), la pratique du shodo n’a cessée d’évoluer. La mise en scène contemporaine de créée par l’artiste se veut l’expression de la beauté du signe : ses traits, ses points et cet entre-deux lorsque le pinceau fait vibrer l’air.
Tomoko a commencé son apprentissage à l’âge de six ans. Après avoir remporté de nombreux prix au Japon et à l’étranger, elle s’investit désormais dans des L’artiste milite pour que le shodo ne soit pas perçu comme une discipline austère, mais plutôt comme une activité accessible — quoique chargée de symboles. Comme l’explique Kawao « une fois le pinceau posé sur le papier, il n’est plus possible de revenir en arrière ». Ainsi, il en va du shodo comme de la vie : la beauté réside moins dans le résultat que dans la chorégraphie.
Pen Magazine Japan, Juillet 2018
ETABLIR UNE CORRESPONDANCE PAR DE NOUVELLES EXPRESSIONS DE L'ART
Sur les bases de la calligraphie en employant l'encre et le pinceau, l'artiste calligraphe utilise sa propre réthorique artistique et unique. Immérgée physiquement, elle exerce son énergie dans l'état spirituel ou elle se trouve, réalisant des multiples jusqu'à la réalisation de l'oeuvre parfaite. Les lignes se réalisant d'elles mêmes dans l'action, au delà du caractère l'abstraction prend forme au dessus du sens des mots.
Explorant la frontière entre la calligraphie en tant qu'œuvre d'art dans la vie de tous les jours, et ce qui rend la calligraphie si attrayante, qu'elle soit artistique ou pratique.
Ecrivant sur elle-même et sur sa vie quotidienne ses œuvres sont inscrites dans la vie qui est approfondie par le lien entre ces deux éléments.
Dans le seul acte d'écrire avec son corps, il y a un dialogue entre un personnage, elle-même et quelque chose qui la dépasse. Ses œuvres et ses écrits peuvent être considérés comme une exploration essentielle des possibilités en tant qu'expression, la calligraphie vit.
La possibilité d'imperfection conduit à une manière intuitive de travailler,
se concentrer sur l'essentiel et créer des œuvres qui invitent le spectateur à entrer en résonance avec sa propre expérience.
Dans le processus de création d’une image se recherche ce qui se présente à nous comme les éléments centraux de la nature.
retrouver cela dans les paysages et leurs couleurs, formes et lignes, qui éveillent nos envies tout en contenant la présence subtile du danger.
Des images émergent, issues de la réalité. Cependant, pas celle que l'on vit actuellement, mais la réalité qui se forme au fil du temps, se manifestant dans la peinture.
Les formes trouvées évoluent entre une abstraction forte et des structures familières.
Le cheminement de la galerie est caractérisé par une esthétique minimale et poétique, une compréhension de la lumière et de l'espace par la présence simplifiée d'une palette de couleurs et de matériaux.
Notre expertise en design nous apporte la confiance de nombreux partenaires dans ce domaine ; nous sommes ainsi partenaires de fabricants utilisant les techniques traditonnelles notamment auprès de Nikari depuis 2017 afin de les intégrer dans d'innovants x projets d'architecture .
De source Nordique, signé par les grands noms du design minimaliste nous mettons en avant un mobilier artisanal humain et chaleureux intégrant en toute évidence les projets d'architecture les plus raffinés et innovants vers un engagement responsable et durable,
Parmi nos réalisations :
HERMES Parfum nouveau siège rue de Penthièvre
KADIST Fondation d'Art Hôte lde Tallard PAris
KERING BALENCIAGA nouveau siège Avenue Gerorge V HERMES, La Manufacture Pantin restaurant
FINLANDE
Il existe de nombreuses perspectives sur ce qui rend l’art et le design durables et intemporels.
Explorant ces disciplines, symboles de beauté et de culture, nous établissons un environnement esthétique résistant à l’épreuve du temps.
Profond respect pour la nature, notre expertise nous oriente vers le meilleur de l'artisanat et du design.
Studio de création et atelier de fabrication, la galerie est partenaire de l'éditeur Finlandais Nikari, un atelier de création s’engageant à perpétuer les traditions du meilleur savoir-faire nordique pour faire ressortir le meilleur d'un mobilier en bois massif essentiel et chaleureux, basé ddans le village historique de Fiskars en Finlande et créé depuis 1967.
Parmi les acteurs majeurs du mobilier contemporain, de l’aménagement d’une maison de vacances à l’image d’une grande entreprise, réunissant l’architecte John Pawson et le designer
Jasper Morrison,en Avril dernier au salon de Milan, l’éditeur Finlandais Nikari se distinguait par sa volonté sans compromis de créer des lieux,
des espaces et des choses à vivre et à transmettre dans le temps.
E D I T I O N
PARTENARIATS
NATIONAL UNIVERSITY OF SINGAPORE - N U S. D.LAB EDITION
FURNITURE COUNCIL OF SINGAPORE - SFIC
ART FAIRS
ATELIER RICHELIEU
Paris 1er - Septembre 2020
ASIA NOW PARIS 2020
Asian Art Fair Oct 2020 - 9, Avenue Hoche - Paris 8ème
ASIA NOW PARIS 2021
Asian Art Fair Oct 2021 - 9, Avenue Hoche - Paris 8ème
PARIS DESIGN WEEK - Sept 2023
