A N T H O L O G I E
A R T
Au cours de rencontres inspirantes, réunissant les disciplines de l'art, du design et de l'architecture, nous recherchons à établir un environnement esthétique accompagnant l’ épreuve du temps.
Il y a des artistes qui, par leur simplicité, renvoient au racines de l'humanité. Intuitifs par nature nous approchons des esprits libres capables de se connecter aux lieux et aux éléments et leur donner forme d'une primitive simplicité.
Les relations longues distances sont parfois les plus passionnées et nos liens établis de longue date avec le Japon et les pays Nordiques posent les fondations d'un lieu d'exposition et de rencontre en constante évolution.
Accompagnés d'un petit collectif à forte maturité créative,
seulement avec leurs mains autour d'une palette claire et simplifiée ; entre l'europe et l'asie nous explorons un monde sensible qui se dessine.
Initiée en 2001 et fondée à Paris en 2009, Anthologie repose sur une correspondance entre l'Europe et l'Asie.
"Porté par son parcours parmi les acteurs du design international, de l'architecture ainsi que ses relations établies de longue date avec le Japon ; son fondateur Denis Ribreau, dessine les contours d'une cartographie imaginée autour d'un collectif d'artistes et artisans nordiques et japonais dotés d'une forte maturité à éveiller nos sens.
Le japon et les pays nordiques partagent un rapport intime à la nature et aux éléments. Contrées relativement éloignées, recouvertes de forêts et dont la culture singulière est préservée, japonais et finlandais entretiennent une même relation à l'espace, à la lumière, et dans leur comportement, leur discrétion, leur précision, leur honnêteté, ils se ressemblent beaucoup.
Pour apprécier ce dialogue esthétique d'une rare fluidité, rendez-vous à Paris ou la galerie Anthologie présente des oeuvres réalisées à quatre mains par des artistes nordiques et asiatiques."
Le Monde, Octobre 2019
Hors-série Japon, M Le Mag
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SETSUKO NAGASAWA
Née à Kyoto en 1941, auprès des maîtres céramistes tel Kenkichi Tomimoto, Setsuko Nagazawa s'imprègne de l'essence des arts de la terre et du feu au Japon. En 1972, Setsuko effectue un stage de céramique chez Takashi Nakazato. Un an plus tard, elle est invitée à suivre les cours de Paul Soldner au Scripps College, Claremont, Californie. À partir de 1974, son désir d'élargir son horizon artistique la ramène en Europe ; à Aix-en-Provence, puis en 1975 à Genève.
Setsuko entreprend alors des études à l'Ecole des Beaux-Arts de Genève et obtient le diplôme de sculpteur et acquiert une grande indépendance d’expression lors de ses collaborations.
De 1977 à 1979, Setsuko Nagazawa enseigne en France à l'Atelier de Font Blanche. A partir de 1979, elle enseigne à l'Ecole des Arts décoratifs de Genève. Membre de l'Académie internationale de la céramique IAC depuis 1979, Setsuko Nagasawa a été artiste en résidence au Keramische Werkcentrum de Heusden en 1985 et au European Ceramics Work Centre en 1991 et 2003 aux Pays-Bas. En1987, elle est invitée à l'université d'État de Californie à Long Beach, États-Unis. De 1991 à 2006, elle enseigne à l'Ecole Supérieure d'Art Visuel de Genève jusqu’en 2005 tout en poursuivant ses activités créatives dans son atelier parisien jusqu’à ce jour.
Setsuko Nagasawa expose régulièrement ses œuvres en Europe et au Japon auprès des institutions et galeries d’art reconnues.
Exposée à la cité de la Céramique de Sèvres depuis les années 2000 : Circuit Céramique en 2010, De Rodin à Schûtte en 2016 et Expérience de la couleur en 2018 , au centre de la céramique de La Borne en 2017. Les Flammes l’art vivant de la céramique au musée d’art moderne de Paris en 2021. Exposition personnelle à HEAG Haute Ecole d’art et de Design de Genève en 2021. Depuis 2023 définit étroitement ses créations avec la Galerie Anthologie.
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Diplomé de la célèbre Musashino art school de Tokyo en 1983, il partage sa vie entre Osaka ou il enseigne l'art et sa maison dans les montagnes de Nagano. Depuis les années 90 Tsutomu développe son parcours dans de nombreuses expositions au Japon et depuis 2017 représenté essentiellemnt par notre galerie.
Le temps, la mémoire et les matériaux naturels soutiennent le mystère d'un message à transcrire.
Au travers de ses dessins graphites à ses monochromes à l'huile il créé une oeuvre intensément captivante en déjouant les codes de l'abstraction par de profondes réflexion sur la relation entreles hommes et leur environnement
Entre expression et oeuvre à fort attractivité visuelle, l'artiste brouille les pistes par sa gestuelle et son procédé ; il nous livre à chaque fois des oeuvres d'une grande pureté.
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DANIEL PONTOREAU
Faire exister ce qu'il imagine ; Daniel Pontoreau manie la terre, la céramique, cette terre parcourue par cet insatiable voyageur, créant des formes des signes, qui peuvent être perçus par les hommes de toutes les cultures, un langage qui parle à tous.
Daniel Pontoreau, né à Paris en 1947, est un des plus importants représentant de la nouvelle céramique française des annes 80. Proches de l' Arte Povera, ni figuratives ni abstraites, ses sculptures en terre cuite de petite à grande dimension, révèlent toute l'essence de la matière créant une sensible relation avec la lumière, l'architecture des lieux et le paysage.
Ses oeuvres sont présentes dans de nombreuses collections publiques en France au Musée d'art moderne de la ville de Paris, Fonds national d'art contemporain, Musée des Beaux-art de Lyon ; en Chine International Ceramic art de Fuping, au Japon Hyogo Museum of Ceramic, Museum de céramique de Shigaraki et de Gifu, en Corée au Clayarch Gimhae Museum. Une importante monographie consacrée en 2023 au centre de Céramique Keramis de Louvière en Belgique. Une prochaine Exposition d groupe avec Matsutani à l'Autome 2024.
Parmi ses commandes publiques citons ses reéalisations en extérieur au Ministère des Finances de Paris Bercy, Symposium de la ourneuve, Fontaine à BEauvais, le Champ du Feu au Centre Européen d'actions artistiques de Strasbourg, le Ministères des Finances à Strsbourg, siège EDF à Saint-Denis, Musée de Soissons, Domaine de Kerguéhennec..
Daniel Pontoreau est médailé en 2018des Arts par l'Académie d'Art et d' Architecture de Paris.
A l'automne 2024, Daniel expose auprès de Matsutani dans une exposition de groupe à Kobe.
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Diplômé à l'École Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Paris en 1998, il entre en 1999 à la galerie Il participe pour la première fois à la FIAC en 2001 parmi les artistes de la galerie, Joan Mitchell, Hantaî, Bishop..
Il compose ses œuvres avec des éléments disparates, créant un univers composite où le geste lyrique sur la toile côtoie des formes plus graphiques et souvent dessinées sur du papier. L'espace de circulation entre les formes est apporté par les fonds blancs qui renforcent le dialogue entre le trait et la couleur. De cette respiration entre les différents éléments surgit une parfaite harmonie.
Son trait sensible, qui suggère, mais jamais n'impose, joue avec les frontières de l'écriture, du lisible et de l'esquisse. Les vibrations de son geste intuitif, à la fois sûr et fragile, nous parle de l'éphémère et de l'intangible tout comme les matériaux utilisés – toiles brutes, papiers déchirés et froissés ou éléments récupérés – nous évoquent un monde disloqué et inachevé.
Dans ses peintures, aucune hiérarchie dans les couleurs ou dans les formes n'apparait de prime abord. Notre œil sillonne la toile sans trouver de point d'ancrage précis, c'est dans la contemplation que l'œuvre se révèle.
Pour lui "La peinture, un exercice naturel pour coordonner des expériences différentes, des temporalités, des systèmes harmoniques qui ne devraient pas se rencontrer".
A R T I S A N E X P L O R A T I O N
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TOMOKO KAWAO
Tomoko Kawao semble méditative. D’ici quelques secondes, la gracieuse jeune femme va se livrer à une chorégraphie étrange nommée shodō.
En silence, elle salue la toile de plusieurs mètres carrés, s’empare d’une brosse aux dimensions elles aussi extraordinaires, la trempe dans un vase d’encre, laisse cérémonieusement l’excédent s’écouler. Soudain, elle s’élance, fait glisser le pinceau sur le support gigantesque, s’arrête, le corps en extension, tandis que les fibres gouttent sur la toile, avant de revenir à la source et, ses munitions rechargées, de repartir. Quelques minutes plus tard, l’artiste trace le trait final de sa formule : « Le temps n’attend pas. »
Originaire de Chine et popularisée au Japon au début de l’ère Shōwa (1926-1989), la pratique du shodō n’a cessé d’évoluer. La calligraphie nipponne contemporaine se veut l’expression de la beauté du signe : ses traits, ses points et cet entre-deux lorsque le pinceau fait vibrer l’air.
Tomoko Kawao a commencé son apprentissage à l’âge de six ans. Ayant remporté depuis de nombreux prix au Japon et à l’étranger, elle s’investit désormais dans des projets aussi différents que le signalement d’une station de train, d’un temple ou l’étiquette d’unspiritueux. L’ artiste milite pour que le shodō ne soit pas perçu comme une discipline austère, mais plutôt comme une activité accessible — quoique chargée de symboles. Kawao le répète à l’envie : " Une fois le pinceau posé sur le papier, il n’est plus possible de revenir en arrière".
PEN Magazine, Tokyo Juillet 2018
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Sur les bases de la calligraphie en employant l'encre et le pinceau, l'artiste utilise sa propre réthorique artistique et unique. Immérgée physiquement, la calligraphe exerce son énergie dans l'état spirituel ou elle se trouve, réalisant des multiples jusqu'à la réalisation de l'oeuvre parfaite. Les lignes se réalisant d'elles mêmes dans l'action, au delà du caractère l'abstraction prend forme au dessus du sens des mots.
L'artiste explore la frontière entre la calligraphie en tant qu'œuvre d'art et la calligraphie dans la vie de tous les jours, ce qui rend la calligraphie si attrayante, qu'elle soit artistique ou pratique. Ecrivant sur elle-même et sur sa vie quotidienne ses œuvres sont inscrites dans la vie qui est approfondie par le lien entre ces deux éléments.
Dans le seul acte d'écrire avec son corps, il y a un dialogue entre un personnage, elle-même et quelque chose qui la dépasse. Ses œuvres et ses écrits peuvent être considérées comme une exploration essentielle des possibilités de la calligraphie en tant qu'expression, la calligraphie vit.
Kasetsu est née en 1975 à Kyoto, calligraphe japonaise vivant à Tokyo, expose depuis 1992 se concentrant principalement sur l’exploration des possibilités d’expression par l’écriture, elle a également organisé des ateliers d’écritures au Japon et à l’étranger, vécu à Paris, collaboré avec des artistes de différents horizons notamment avec les arts de la danse. Parmi ses nombreuses publications, citons Nature morte Seishiga 2001, Heibonsha, jouer avec les pierres «Ishi-no-asobi», où réside la calligraphie Sho-no-sumika en 2006.
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De chaque journée, cultiver une manière d'être.
I N T E R I O R S P A C E
Analogie et contraste, le japon et les pays nordiques partagent un rapport intime à la nature et aux éléments.
Contrées relativement éloignées, recouvertes de forêts et dont la culture singulière est préservée, japonais et finlandais entretiennent une même relation à l'espace, à la lumière, et dans leur comportement, leur discrétion, leur précision, leur honnêteté, ils se ressemblent beaucoup.
Au cours de rencontres inspirantes dans le domaine de l'architecture, de l'art et du design, nous approchons les faces cachées de la beauté et découvrons comment les artistes et créatifs définissent et vivent l'esthétique.
Approchant le processus créatif et l'influence de leur travail nous partageons notre état d'esprit auprès d'un public bien inspiré.
FINLANDE
Située dans l'historique village de Fiskars au sud d'Helsinki, l'atelier NIKARI fondé par Kari Virtanen transmet depuis 1967 la passion d'une fabrication artisanale suivant toutes les étapes de fabrication, le respect des essences et la transmission de son artisanat.
Editeur d'un mobilier recherché pour des projets d'architecture innovants ; Nikari représente l'esprit nordique d'une fabrication locale et responsable concentrant sa créativité autour d'un mobilier simple, fonctionnel et durable. c'est un des acteurs majeurs du renouvellement créatif finlandais à la frontière entre art et artisanat.
Présent sur les salons de design internationaux etprès des agences d'architecture, son mobilier chaleureux est signé des grands noms du design minimaliste et s'intégre en toute évidence dans les projets dintérieurs de la maison de vacances à l'identité de grandes entreprises respecteuses de la protection des ressources.
John Pawson, Cecilie Manz, Harri Koskinen, Kari Virtanen,
Jasper Morrison, Jenni Roininen, Wataru Kumano Claesson Koivisto Rune
Parmi nos réalisations
2021 HERMES Parfum siège, nouveau rue de Penthièvre Paris 8
2022 VINFAST EUROPE
2023 KADIST Fondation d'Art, Hôtel de Tallard Paris 3
2023 HERMES, PANTIN
2024 BALENCIAGA, KERING, nouveau siège, Av. George V Paris 8
TAKENAKA CARPENTRY MUSEUM JAPAN Kobe
NIKARI Finnish Woodworking Exhibition 2017 -2018
A R T F A I R S
ATELIER RICHELIEU 2020 - Paris 1er - Septembre 2020
ASIA NOW PARIS 2020
Asian Art Fair - Oct 2020 - 9, Avenue Hoche - Paris 8ème
www.asianowparis.com
ASIA NOW PARIS 2021
Asian Art Fair - Oct 2021 - 9, Avenue Hoche - Paris 8ème
www.asianowparis.com
PARIS DESIGN WEEK Sept 2023
MILAN SALONI Avril 2024
