A N T H O L O G I E
" Lignes épurées, attention portée aux détails, rapport intime à la nature semblent se faire écho de
l'archipel nippon à la péninsule scandinave jusqu'à la Finlande.
Pour apprécier ce dialogue esthétique d'une rare fluidité, rendez-vous à Paris ou la galerie Anthologie
présente des oeuvres réalisées à quatre mains par des artistes européens et asiatiques . "
M le Magazine du Monde
"sous influence Japonaise"
Denis Ribreau
Galerie Anthologie,
Le Monde, Oct. 2019
G A L E R I E
Créée en 2010 en continuité d'un long parcours auprès des acteurs du design international et de l'architecture, la galerie Anthologie fondée par Denis Ribreau pose les fondations d'un pont créatif entre Europe et Asie autour d'un collectif d'artistes et designers.
En matière d'art les relations longues distances sont parfois les plus passionnées et notre complicité de longue date avec des cultures éloignées de finlande au japon a naturellement entrainé la rencontre de personnes essentielles portées par une maturité toute créative a se concentrer sur les savoirs et la maîtrise du geste.
A l'image d'une petite institution culturelle, notre galerie abrite une création contemporaine à la source de ces cultures dans l'idée de faire dialoguer philosophie et spiritualité.
Situés rive gauche dans le 7ème arrondissement de Paris, parmi les musées de civilisations du Quai Branly et du musée d'Orsay, nous explorons un monde sensible qui se dessine.
A R T I S T E S
TSUTOMU HOSHITANI
Tsutomu Hoshitani vit et travaille à Osaka ; diplomé de la célèbre Musashino Art School de Tokyo, Hoshitani explore depuis une trentaine d'années l'abstraction dans la peinture et le dessin.
Explorant les mythes et légendes des civilisations anciennes, Hoshitani approfondit la simplification du langage pictural pour rendre compte de l'essence invisible des choses. Adepte des grands formats et compositions de traits et de lignes interrompues, sa determination à la limite de la résistance du papier approfondie une dimension fondamentale de sa représentation de l'humanité.
Tsutomu Hoshitani est représenté en France et en Europe en exclusivité par notre galerie. Depuis 2015 ses créations intègrent notre fond de collections ainsi que des projets privés et fondations culturelles.
Eté 2017 Avril / Deucalion Watercolor - Exposition" Hors les Murs" Tuileries 75001 Paris
DEUCALION héros grec de la tradition orientale du déluge dont le mythe apparait dans les mythologies de tous pays. La Terre entière fut submergée et Deucalion et Pyrrha seuls survivants, après avoir longtemps cherché le sens des paroles ordonnées par Hermès, jetèrent les pierres au sol par dessus eux pour redonner vie et humanité sur Terre.
Printemps 2018 / Drawings Sermon to died birds - Galerie Anthologie 47 rue 75003 Paris
Imaginer un artiste s'adresser et dialoguer auprès des oiseaux dans l'idée de créer une oeuvre est attirant en soi.
Hoshitani explore les mythes, croyances et civilisations anciennes pour faire comprendre le lien avec notre présent.
Automne 2018 / Exposition "Hors les Murs" Sermon to the dead birds - Tuileries 75001 Paris
Hiver 2019 / Drawings Sermon aux oiseaux - Galerie Anthologie 47 rue Chapon 75003 Paris
Printemps 2020 / FLOWER PIVOINE ink on japanese paper - Galerie ANTHOLOGIE 92, rue de Grenelle 75007 Paris
TOMOKO KAWAO
Encre, calligraphie Shodo , Kyoto.
Tomoko pratique la calligraphe depuis son plus jeune age auprès de maîtres traditionnels de Kyoto.
La calligraphie shodo consiste à intepréter l'ecriture japonaise sur de grands formats papier avec l'énergie du corps en extension.
Reflet des perspectives japonaises sur la vie et la nature, chaque instant passe et s'en va pour ne plus revenir. Cet art de la transition s'exerce ainsi en une seule couche et rien ne peut être édité ou refait.
Geste libre et fluide, ouvert à l'interprétation ; Tomoko par cet entre deux de traits et de points, fait vibrer la force de la parole et du silence dans son environnement.
"Le temps n'attend pas, une fois le pinceau posé sur le papier il n'est plus possible de revenir en arrière".
La galerie ANTHOLOGIE est la 1ère galerie a exposer Tomoko Kawao en France et en Europe. Depuis 2019 notre galerie développe de nouveaux projets en exclusivité en France.
Tomoko Kawao danse dans l’encre
"Assise sur ses talons, Tomoko Kawao semble méditative. D’ici quelques secondes, la gracieuse jeune femme va se livrer à une chorégraphie étrange nommée shodō.
En silence, elle salue la toile de plusieurs mètres carrés, s’empare d’une brosse (aux dimensions elles aussi extraordinaires), la trempe dans un vase d’encre, laisse cérémonieusement l’excédent s’écouler. Soudain, elle s’élance, fait glisser le pinceau sur le support gigantesque, s’arrête, le corps en extension, tandis que les fibres gouttent sur la toile, avant de revenir à la source et, ses munitions rechargées, de repartir. Quelques minutes plus tard, l’artiste trace le trait final de sa formule : « Le temps n’attend pas. »
Originaire de Chine et popularisée au Japon au début de l’ère Shōwa (1926-1989), la pratique du shodō n’a cessé d’évoluer. La calligraphie nipponne contemporaine se veut l’expression de la beauté du signe : ses traits, ses points et cet entre-deux lorsque le pinceau fait vibrer l’air.
Tomoko Kawao a commencé son apprentissage à l’âge de six ans. Ayant remporté depuis de nombreux prix au Japon et à l’étranger, elle s’investit désormais dans des projets aussi différents que le signalement d’une station de train, d’un temple ou l’étiquette d’un spiritueux. L’artiste milite pour que le shodō ne soit pas perçu comme une discipline austère, mais plutôt comme une activité accessible — quoique chargée de symboles. Kawao le répète à l’envi : « Une fois le pinceau posé sur le papier, il n’est plus possible de revenir en arrière. » Ainsi, il en va du shodō comme de la vie, la beauté réside moins dans le résultat que dans la chorégraphie."
Pen Magazine 07.2018
© Tomoko Kawao
HIVER 2019/2020 Galerie Anthologie : KUCHI PAROLE & SILENCE
L' exercice de la calligraphie est mis en lumière par une série de variantes du mot Kuchi.
Kuchi signifie bouche en japonais ; au de là de la beauté esthétique elle symbolise la parole et le silence.
C'est alors le corps qui s'exprime et le corps de celui qui s'y plie est invité à se soumettre au tracé des lettres, tracé qui s'effectue de manière silencieuse.
Le mot ne parle pas de lui même, il appelle au silence et ses différentes nuances sont d'une grande subtilité, un instantané de votre esprit, de vos sentiments.
Au japon on parle ainsi comme on écrit et toute déviance subjective risque de troubler la fluidité du déroulement des gestes à accomplir.
Ainsi le langage suis l'évolution de la société , et au delà de la parole la calligraphie symbolise l'expression d'une pensée qui se dévoile dans l'essence contemporaine de toute sa culture.
Automne 2020 SALON DDESSIN PARIS Atelier Richelieu / AI AIMER
Délicat d'exprimer le fait d'aimer dans la culture japonaise tant l'asie et le japon sed différencient de nos codes occidentaux et européens.
Cependant on peut cerner l'âme japonaise dans les propose de Inazo Nitobe qui exalte la fleur de cerisier en des termes suffisamment poétiques et lumineux.
Mitsuhiro OFUNE
Mitsuhiro Ofune enseigne l'art à l'Université Osaka
Faculty of Fine Arts in Osaka University od Arts
Aru toki no katachi"" : La forme de l'instant
Monotypes à l'encre,
Par l'application de couches d'encre de préférence rouges ou bleu, Ofune se concentre sur la superposition et la manipulation des matériaux.
Son atelier est un laboratoire de couleurs et de techniques d'expression. Chaque monotype réalisé au pinceau et un oeuvre unique. Ses qualités visuelles, monochromatiques, sa texture, sa fluidité, ses petits formats, créent une relation intime entre l'oeuvre et le spectateur.
Forme d'art proche du méditatif, la dynamique des couleurs est perçue comme une force. Entre deux instants de vie, l'oeuvre silencieuse nous ouvre la voie d'une action volontaire.
JAPON & SCANDINAVIE COMPLICITE PARTAGEE
Le Japon et les pays nordiques partagent un rapport intime à la nature et aux éléments ; la parenté est surtout nette avec la Finlande.
Ce sont des contrées relativement éloignées du reste du monde, recouvertes par des forêts dont la culture singulière est préservée.
Finlandais et japonais entretiennent la même relation à la lumière, à l'espace et dans leur comportement, leur discrétion, leur précision, leur honnéteté ils se ressemblent
beaucoup.
Le Monde, M Le mag Spécial Japon,
Entretien avec la Galerie Anthologie
Octobre 2019
©galerieanthologie
Du Nord de l'Europe à l'extremité de l'Asie nos partenariats s'établissent auprès de petites structures et institutions internationales mettant en avant les techniques traditionnelles d'un design porté par une sensibilité visuelle.
Non principaux partenariats depuis 2009
Furniture Council Singapore / SFIC
National University Of Singapore / NUS
D.lab NUS Design center
Le Bon Marché / Merci / Now Design à vivre
Japanese craftsmanship : Sfera Kyoto, Shigeo Mashiro, Kanami tsuji, Hosoo, Suji Nakagawa, Kaikado, Takagi, Ren Uehara, ..
Meetee, design mobilier Hiroshima
Institut Finlandais
Nikari, artisanat mobilier durable, Finlande
...
ART, ARTISANAT & DESIGN, DIALOGUE PARTAGE
Le japon et la Finlande représentent un haut niveau de maturité dans l'exercice de l'artisanat.
Reconnus pour notre expérience dans le domaine du design et de l'édition ; nous avons décidé de nous concentrer sur ces valeurs en accompagnant de nouveaux acteurs émergents attachés à la transmission de leur savoir-faire local.
Une recherche sur le travail manuel d'atelier, la maîtrise de toutes les étapes de fabrication et la sélection rigoureuse des ressources et matières premières.
Nos vingt années d' expérience et de projets auprès de clients privés, entreprises, architectes, nous apportent la confiance de petites maisons d'édition très expérimentées pour intégrer de nouveaux projets publics et privés.
DESIGN & ARTISANAT EN FINLANDE
"Cette année à Milan, présent parmi les plus grands éditeurs, NIKARI imaginait un nouveau lieu de vie pour faire rayonner le savoir-faire nordique.
D'épais murs porteurs supportant de larges poutres ouvraient sur l'espace nous invitant à découvrir un mobilier porté sur l'émotion des essences ; évocation d'une maison de famille ou interprétation d'une future institution culturelle.
Dans une variante de bois aux tonalités claires, l'éditeur Finlandais guide notre inspiration vers un mobilier centré sur l'essentiel en créant l'harmonie d'un cadre chaleureux."Milan Avril 2019
S PROJECT/Salon de Milan
NIKARI workshop Fiskars village, Finlande
Kari Virtanen, Cecilie Manz,
Jasper Morrison, Wataru Kumano,
Claesson Koivisto Rune,Nao Tamura, Alfredo Haberli,
Studio Kaksikko, Harri Koskinen, Jenni Roininen..
DESIGN & ARTISANAT AU JAPON
"Le cadre ou la ligne sinueuse d'une chaise ou d'un fauteuil ne se fait pas en pliant le bois. Il est coupé, raboté, et façonné à partir d'une pièce de bois. Assemblé et ajusté pièce par pièce créant ainsi une finition de cadre raffiné et résistant en mettant en avant la rigidité du bois ,révélant la beauté des essences et le respect de leur cycle de vie."
Jeune et rare maison édition de mobilier au Japon, Meetee est fondée par deux ateliers historiques établis depuis 1855 dans la région d'Hiroshima.
Leur savoir-faire s'exerce dans la maîtrise de techniques d'assemblage traditionnel, le sashimono et kumiki utilisées autrefois pour les constructions de temples et de bateaux. Techniques consistant à emboiter les pièces de bois pour former une structure sans autre élément de fixation.
Cette petite manufacture réunit un collectif de designers japonais et nordiques attachés à l'exploration de techniques artisanales ;
Jin Kuramoto, le trio suédois d'architectes designers Claesson Koivisto Rune réalisant de nombreux projets au Japon, Harri Koskinen designer et directeur artistique de Iitala en Finlande, collaborant pour Issey Miyake ; Stefan Diez designer.
