A N T H O L O G I E
Initiée à Kyoto en 2000 et fondée à Paris en 2009, la galerie Anthologie repose sur un dialogue créatif entre l'Europe et l'Asie.
Porté par son parcours parmi les acteurs du design international, de l'architecture et ses relations établies de longue date avec le Japon ; son fondateur Denis Ribreau, d'une lignée de marchands d'art, dessine les contours d'une cartographie imaginée autour d'un collectif d'artistes japonais et européens dotés d'une forte maturité à éveiller nos sens.
Partageant une maturité créative entre l'asie et les pays nordiques Anthologie partage un rapport intime à la nature et aux éléments. Contrées éloignées, recouvertes de forêts et dont la culture singulière est préservée, notre exploration se porte sur le japon et les pays nordiques, des cultures lointaines qui entretiennent une même relation à l'espace, à la lumière, et dans leur comportement, leur discrétion, leur précision, leur honnêteté, se ressemblent beaucoup.
Pour apprécier ce dialogue esthétique d'une rare fluidité, rendez-vous à Paris ou la galerie Anthologie présente des oeuvres réalisées à quatre mains par des artistes nordiques et asiatiques.
Le Monde, Entretien, Octobre 2019
Hors-série Japon, M Le Mag
Initiated in Paris & Kyoto in 2001 and founded in 2009, Anthologie is a place of reflection based on a creative dialogue between Europe and Asia.
Driven by his career in international design and architecture design and his long-established relations with Japan ; its founder Denis Ribreau, from a line of art dealers, draws the contours of a map imagined around a collective of Japanese and European artists endowed with a strong maturity to awaken our senses.
Sharing a creative maturity exercised in Asia and the Nordic countries ; Anthologie shares this intimate relationship with nature and the elements. Remote countries, covered with forests and whose unique culture is preserved, our exploration focuses on Japan and Finland, distant cultures which maintain the same relationship with space, with light, and in their behavior, their discretion, their precision, their honesty, are very similar.
To appreciate this aesthetic dialogue of rare fluidity, go to Paris where the Anthologie gallery presents works created in four hands by Nordic and Asian minds.
Le Monde Newspaper, Oct. 2019
Spécial Japan, Hors-série M Le Mag
A R T
Ecouter la terre, explorer l'espace, façonner à la main la matière et par la simplification de la forme lui donner cet état d’équilibre et de proportion qui tend à se rapprocher de la perfection d’une forme.
Anthologie est un espace-galerie animé autour d’un petit collectif d'artistes pour qui l'appropriation de matériaux est empruntée pour rendre tant expressive qu’abstraite la forme, forme géométrique d'une construction ou étudiée comme un élément naturel s’ouvrant au paysage.
Instaurant une réflexion engageante entre artistes de générations différentes, des personnalités reconnues partageant un profond lien thématique et formel dans leur travail et dans l'expressivité qui s’en dégage.
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The gallery establishes an engaging reflection between artists of different generations, recognized personalities who share a deep thematic and formal link in their work and in the expressiveness that emerges revealing the language of gesture and material.
Contemplative engagement in time, materiality and the relationship with place explores the geometry and instability of a form in a quest to transcend boundaries, whether those of the medium or those of the understanding of the act.
Les relations longues distances sont parfois les plus passionnées et nos liens établis de longue date avec le Japon posent les fondations d'un lieu d'exposition et de rencontre en constante évolution.
Au cours de rencontres inspirantes, réunissant les disciplines de l'art et de l'architecture, nous recherchons à établir un environnement accompagnant
l'épreuve du temps.
Accompagnés d'un collectif à forte maturité créative, établissant le langage du geste et de la matière seulement avec leurs mains, autour d'une palette claire et simplifiée, nous explorons un monde sensible qui se dessine.
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Long-distance relationships are sometimes the most passionate and our long-established ties with Japan lay the foundations for an ever-evolving exhibition and meeting place. During inspiring meetings, bringing together the disciplines of art and architecture, we seek to establish an environment that supports the test of time.
Listen to the earth, explore space, shape the material by hand and by simplifying the form give it this state of balance and proportion which tends to approach the perfection of a form.
Ode à la lumière
“Les oeuvres de Setsuko Nagasawa ont aussi quelque chose de cette dialectique : fil tendu entre deux pôles d’une sculpture-brique passant du rouge au noir, aimantation instinctive de deux pièces jumelles ou opposées, vide et plein d’un travail sculptural qui pousse s’interroger sur les notions de construction & déconstruction.
Son oeuvre est également une ode la lumière. Les effets d’ enfumage sur certaines de ses pièces donnent l’illusion d’ombres naissantes. Le grain si particulier de leurs surfaces se perçoit de multiples manières en fonction de l’éclairage. La géométrie des volumes et des formes pourrait créer des contrastes tranchants mais qui sont adoucis par ce sfumato émanant de la rencontre entre la terre et la lumière.”
David Caméo,
Directeur général de Sèvres de 2003 à 2014– Cité de la Céramique
Auprès de Kenkichi Tomimoto et des maîtres de la céramique japonaise, Setsuko Nagasawa s'imprègne de l'essence des arts de la terre et du feu au Japon. Née à Kyoto en 1941, Setsuko effectue après ses études à Kyoto en 1972 un stage de céramique chez Takashi Nakazato. Un an plus tard, elle est invitée à suivre les cours de Paul Soldner au Scripps College, Claremont, Californie. À partir de 1974, son désir d'élargir son horizon artistique la ramène en Europe ; à Aix-en-Provence, puis en 1975 à Genève. Setsuko entreprend alors des études à l'Ecole des Beaux-Arts de Genève et obtient le diplôme de sculpteur et acquiert une grande indépendance d’expression lors de ses collaborations.
De 1977 à 1979, Setsuko enseigne en France à l'Atelier de Font Blanche. A partir de 1979, elle enseigne à l'Ecole des Arts décoratifs de Genève. Membre de l'Académie internationale de la céramique IAC depuis 1979, Setsuko Nagasawa a été artiste en résidence au Keramische Werkcentrum de Heusden en 1985 et au European Ceramics Work Centre en 1991 et 2003 aux Pays-Bas. En1987, elle est invitée à l'université d'État de Californie à Long Beach, États-Unis. De 1991 à 2006, elle enseigne à l'Ecole Supérieure d'Art Visuel de Genève HEAG jusqu’en 2005 tout en poursuivant ses activités créatives dans son atelier parisien jusqu’à ce jour.
Setsuko Nagasawa expose régulièrement ses œuvres en Europe et au Japon auprès des institutions et galeries d’art reconnues. Ses sculptures sont présentes dans les collections de musées et fondations d'art :
MEMBRE de l'ACADEMIE INTERNATIONALE de la CERAMIQUE IAC depuis 1979
MUSEE DES ARTS DECORATIFS Paris,
MUSEE GUIMET & Musée CERNUSCHI
MUSEE de SEVRES CITE DE LA CERAMIQUE
MUSEE ARIANA Genève,
SHIGARAKI CERAMIC MUSEUM, Japon,
FONDATION KERAMIS centre de céramique , Louvières Belgique..
Exposée à la cité de la Céramique de Sèvres depuis les années 2000 : Expostion Circuit Céramique en 2010, De Rodin à Schûtte en 2016 et Expérience de la couleur en 2018 , au centre de la céramique de La Borne en 2017. Les Flammes l’art vivant de la céramique au musée d’art moderne de Paris en 2021.
Exposition personnelle à HEAG, HAUTE ECOLE D'ART & DESIGN de GENEVE en 2021.
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« Mes œuvres dialoguent avec l’espace, le paysage, dans l’environnement dans lequel elles se trouvent pour former un théâtre minéral. Chaque élément – la lumière, les volumes, le déplacement – doit s’intégrer pour former un ensemble » , nous explique Daniel Pontoreau.
« Mes sculptures ne sont pas purement géométriques,
elles présentent des empreintes, une intervention humaine…»,
Faire exister ce qu'il imagine ; Daniel Pontoreau manie la terre, la céramique, cette terre parcourue par cet insatiable voyageur, créant des formes des signes, qui peuvent être perçus par les hommes de toutes les cultures, un langage qui parle à tous.
Né à Paris en 1947, il est un des plus importants représentant de la nouvelle céramique française des annes 80. Proches de l' Arte Povera, ni figuratives ni abstraites, ses sculptures en terre cuite de petite à grande dimension, révèlent toute l'essence de la matière créant une sensible relation avec la lumière, l'architecture des lieux et le paysage.
Ses oeuvres sont présentes dans de nombreuses collections publiques en France :
MUSEE D'art moderne dde la ville de PARIS
FONDS NATIONAL D'ART CONTEMPORAIN
MUSSE DES BEAUX ARTS DE LYON
A l'international :
FUPING INTERNATIONAL CERAMIC MUSEUM, chine International Ceramic Museum,Chine
HYOGO MUSEUM OF CERAMIC, Japon
SHIGARAKI CERAMIC MUSEUM, GIFU CERAMIC MUSEUM, Japon,
CLAYARCH GIMHAE MUSEUM, Corée.
KERAMIS ART CERAMIC CENTER, Louvières en Belgique. Exposition monographique en 2023.
Exposition de groupe à Kobe, Japon, avec Takesada Matsutani en 2024.
Médaillé en 2018 des Arts par l'Académie d'Art et d' Architecture de Paris.
Commandes publiques :
Ministère des Finances de Paris Bercy, Symposium de la Courneuve, Fontaine à Beauvais, le Champ du Feu au Centre Européen d'actions artistiques de Strasbourg, Ministère des Finances à Strasbourg, siège EDF à Saint-Denis, Musée de Soissons, Domaine de Kerguéhennec..
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Nous cultivons une réflexion vivante autour d'un petit collectif pour qui l'appropriation
de la matière est empruntée pour rendre expressive et abstraite la forme, ouvrant ainsi au paysage.
Notre cheminement s'anime autour d'artistes reconnus évoluant en totale linéarité ;nous envisageons ainsi l'expression de la sculpture et de la peinture comme une interprétation individuelle
en lien avec son environnement et selon la sensibilité des personnes,
l'ensemble s'inscrivant dans une composition et une forme de pensée.
we cultivate lively reflection around a small collective for whom the appropriation of the material is borrowed to make so expressive
that abstracts the form thus opening up to the landscape.
Our journey is animated around recognized artists evolving in complete linearity;
we thus consider the expression of sculpture and painting as an individual interpretation in relation
to its environment and also in relation to the sensitivity of people, the whole being part of a spatial composition and a form of thought.
Dans l'univers de l'esthétique minimaliste. Au fil de conversations inspirantes nous explorons la manière dont les artistes proche de la galerie sont guidés par leur vision et l'expriment dans leurs œuvres. Au fil de ces échanges, ils nous livrent des éclairages intéressants sur leur processus créatif et révèlent leur façon de percevoir et de façonner le monde.
Utilisant le crayon et les pigments acryliques, et suivant un processus créatif méthodique, Tsutomu Hoshitani crée des compositions épurées qui dégagent une sérénité méditative. Ses œuvres invitent le spectateur à s'arrêter et à s'immerger dans les nuances subtiles qui ne deviennent visibles qu'à l'observation. En partageant leur parcours artistique, l'importance de la répétition et de la structure dans les œuvres, ainsi que sur son processus créatif à la fois méthodique et intuitif. Il partage également son point de vue sur son espace de travail dans les montagnes de Nagano.
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The gallery establishes an engaging reflection between artists of different generations, recognized personalities who share a deep thematic and formal link in their work and in the expressiveness that emerges revealing the language of gesture and material.
Contemplative engagement in time, materiality and the relationship with place explores the geometry and instability of a form in a quest to transcend boundaries,whether those of the medium or those of the understanding of the act.
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Ancienne galerie, rue de Grenelle Paris 7
INFLUENCE JAPONAISEPour saisir pleinement la profondeur de l'abstraction , il faut considérer les subtils courants personnels qui la sous-tendent. Leur ampleur, leur énergie et leur refus de toute lisibilité facile continuent de captiver les nouvelles générations d'artistes et de spectateurs.
Approchées avec ouverture, elles révèlent non seulement une invention formelle, mais aussi un sentiment durable de liberté
preuve que l'abstraction, entre certaines mains n'est jamais statique, mais riche de possibilités.
Tomoko Kawao semble méditative, d’ici quelques secondes, la gracieuse jeune femme va se livrer à une chorégraphie étrange nommée shodō.
En silence, elle salue la toile de plusieurs mètres carrés, s’empare d’une brosse aux dimensions elles aussi extraordinaires, la trempe dans un vase d’encre, laisse cérémonieusement l’excédent s’écouler. Soudain, elle s’élance, fait glisser le pinceau sur le support gigantesque, s’arrête, le corps en extension, tandis que les fibres gouttent sur la toile, avant de revenir à la source et, ses munitions rechargées, de repartir. Quelques minutes plus tard, l’artiste trace le trait final de sa formule : « Le temps n’attend pas. »
Originaire de Chine et popularisée au Japon au début de l’ère Shōwa (1926-1989), la pratique du shodō n’a cessé d’évoluer. La calligraphie nipponne contemporaine se veut l’expression de la beauté du signe : ses traits, ses points et cet entre-deux lorsque le pinceau fait vibrer l’air.
Tomoko a commencé son apprentissage à l’âge de six ans. Ayant remporté depuis de nombreux prix au Japon et à l’étranger, elle s’investit désormais dans des projets aussi différents que le signalement d’une station de train, d’un temple ou l’étiquette d’un spiritueux. L’ artiste milite pour que le shodō ne soit pas perçu comme une discipline austère, mais plutôt comme une activité accessible — quoique chargée de symboles. Kawao le répète à l’envie : " Une fois le pinceau posé sur le papier, il n’est plus possible de revenir en arrière".
PEN Magazine, Tokyo Juillet 2018
Sur les bases de la calligraphie en employant l'encre et le pinceau, l'artiste utilise sa propre réthorique artistique et unique. Immérgée physiquement, la calligraphe exerce son énergie dans l'état spirituel ou elle se trouve, réalisant des multiples jusqu'à la réalisation de l'oeuvre parfaite. Les lignes se réalisant d'elles mêmes dans l'action, au delà du caractère l'abstraction prend forme au dessus du sens des mots.
Auprès des artistes reconnus dans cet art ; depuis des d'années nous explorons en Asie la frontière entre la calligraphie en tant qu'œuvre originale et la calligraphie dans la vie de tous les jours, ce qui la rend si attrayante, artistique, libre.
Cultiver une réflexion animée autour d’un petit collectif
pour qui l'appropriation de la matière est empruntée pour rendre tant expressive
qu’ abstraite la forme faconnée comme un élément naturel s’ouvrant au paysage.
Notre cheminement est animé autour d'artistes reconnus évoluants en toute liberté, considérantainsi l''expression de la sculpture et de la peinture comme une interprétation individuelle en relation avec son environnement et également en relation avec la sensibilité des personnes, l'ensemble faisant partie d'une composition spatiale et d'une forme de pensée.
A R C H I T E C T U R E I N T E R I E U R E
A R T I S A N A T F I N L A N D A I S
Analogie et contraste, le japon et les pays nordiques partagent un rapport intime à la nature et aux éléments.
Contrées relativement éloignées, recouvertes de forêts et dont la culture singulière est préservée, japonais et finlandais entretiennent une même relation à l'espace, à la lumière, et dans leur comportement, leur discrétion, leur précision, leur honnêteté, ils se ressemblent beaucoup.
Au cours de rencontres inspirantes dans le domaine de l'architecture, de l'art et du design, nous approchons les faces cachées de la beauté et découvrons comment les artistes et créatifs définissent et vivent l'esthétique.
Approchant le processus créatif et l'influence de leur travail nous partageons notre état d'esprit auprès d'un public bien inspiré.
DESTINATION NORDIQUE
Située dans l'historique village de Fiskars au sud d'Helsinki, l'atelier Nikari fondé par Kari Virtanen transmet depuis 1967 la passion d'une fabrication artisanale suivant toutes les étapes de fabrication, le respect des essences et la transmission de son artisanat.
Fabricant éditeur d'un mobilier essentiel recherché par les plus grands architectes, Nikari représente l'essence de la pensée nordique.
Fabrication locale et responsable concentrant sa créativité autour d'un mobilier simple, fonctionnel et durable. il est devenu un acteur majeur du renouvellement créatif finlandais à la frontière entre art et artisanat.
Designers : John Pawson, Cecilie Manz, Harri Koskinen, Kari Virtanen, Jasper Morrison, Jenni Roininen, Claesson Koivisto Rune
Parmi nos réalisations en France :
2021 HERMES Parfum, nouveau siège rue de Penthièvre Paris 8
2022 VINFAST EUROPE
2023 KADIST Fondation d' Art, Hôtel de Tallard Paris 3
2023 HERMES, PANTIN
2024 KERING BALENCIAGA, , siège Avenue George V Paris 8
2024 HERMES PANTIN
2025 MONOCLE Café, PARIS
JOHN PAWSON - CECILIE MANZ - JASPER MORRISON - WATARU KUMANO - KARI VIRTANEN - RUDI MERZ - KOIVISTO CLAESSON RUNE
JOHN PAWSON & NIKARI 2022
TAKENAKA CARPENTRY MUSEUM JAPAN Kobe
NIKARI Finnish Woodworking 2018
T O K Y O By CURIOSITY Architects 2020
S I N G A P O U R
NUS NATIONAL UNIVERSITY OF SINGAPORE - D LAB
MILAN 2024 - NIKARI FINLAND
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Fondée à Paris en 2009, la galerie Anthologie repose sur un dialogue créatif entre l'Europe et l'Asie.
Porté par son parcours parmi les acteurs du design international de l'architecture ainsi que ses relations établies de longue date avec le Japon ; son fondateur Denis Ribreau, dessine les contours d'une cartographie imaginée autour d'un collectif d'artistes nordiques et japonais dotés d'une forte maturité à éveiller nos sens.
Le japon et les pays nordiques partagent un rapport intime à la nature et aux éléments. Contrées relativement éloignées, recouvertes de forêts et dont la culture singulière est préservée, japonais et finlandais entretiennent une même relation à l'espace, à la lumière, et dans leur comportement, leur discrétion, leur précision, leur honnêteté, ils se ressemblent beaucoup.
Pour apprécier ce dialogue esthétique d'une rare fluidité, rendez-vous à Paris ou la galerie Anthologie présente des oeuvres réalisées à quatre mains par des artistes nordiques et asiatiques.
Le Monde, Octobre 2019
Hors-série Japon, dialogue avec la Galerie Anthologie
A R T F A I R S
ATELIER RICHELIEU 2020 - Paris 1er - Septembre 2020
ASIA NOW PARIS 2020
Asian Art Fair - Oct 2020 - 9, Avenue Hoche - Paris 8ème
www.asianowparis.com
ASIA NOW PARIS 2021
Asian Art Fair - Oct 2021 - 9, Avenue Hoche - Paris 8ème
www.asianowparis.com
