•  

    G a l e r i e

     

     

    A N T H O L O G I E

     

     

     

    broken image

     

     

     

    Fondée à Paris en 2009, la galerie ANTHOLOGIE repose sur une correspondance entre l'Europe et l'Asie établie depuis 2001.

     

    Porté par son parcours parmi les acteurs majeurs du design international, auprès des historiens de l'art et ses relations partagées avec le Japon ; son fondateur Denis Ribreau, dessine les contours d'une cartographie imaginée autour d'un collectif d'artistes et d'artisans européens et japonais dotés d'une forte maturité à éveiller nos sens.

     

    Le japon et les pays nordiques partagent un rapport intime à la nature et aux éléments. Contrées relativement éloignées, recouvertes de forêts et dont la culture singulière est préservée, japonais et finlandais entretiennent une même relation à l'espace, à la lumière, et dans leur comportement, leur discrétion, leur précision, leur honnêteté, ils se ressemblent beaucoup.

     

    Pour apprécier ce dialogue esthétique d'une rare fluidité, rendez-vous à Paris ou la galerie Anthologie présente des oeuvres réalisées à quatre mains par des artistes nordiques et asiatiques.

     

     

     

    Correspondance

    Le Monde, Octobre 2019

    Hors-série Japon

     

     

  •  

     

     

     

    E D I T O R I A L

     

     

     

    broken image

     

    GALERIE & FONDATION D'ART

     

    Lorsque nous visitons un musée ou une galerie, il est naturel de nous déplacer autour de l'art ; nous changeons de perspective nous nous rapprochons, nous questionnons ; chacun est associé à une expérience artistique unique avec sa propre évaluation et expérience.

     

    Située dans le 7ème arrondissement de Paris, sur le chemin du Louvre et du musée d'Orsay, la galerie Anthologie cultive une approche de chercheur d'art portée par un fonds de plusieurs centaines d'oeuvres séléctionnées au fil des années à l'image d'une fondation d'art.

     

     

     

     

    broken image

     

    CORRESPONDANCE EUROPE-ASIE

     

    la galerie interprête une appproche basée sur la conviction que l'engagement dans le monde matériel élève la conscience de soi.

     

    En expérimentant consciemment la relation entre l'homme et l'objet il est possible d'atteindre un état d'être élevé.

    Notre contribution au monde de l'art nous efforce de repousser nos limites en recherchant des artistes capables de contribuer à une maturité créatice hors des sentiers trop fréquentés du marché de l'art, de toucher des esprits libres et sensibles.

     

     

     

     

     

  • broken image

     

    SETSUKO NAGASAWA

     

    Née à Kyoto en 1941, auprès des maîtres céramistes tel Kenkichi Tomimoto, Setsuko Nagazawa s'imprègne de l'essence des arts de la terre et du feu au Japon. De 1964 à 1966, Setsuko fait son premier séjour prolongé en Occident, à Genève. A son retour à Kyoto, elle installe son premier atelier en 1967. En 1972, elle fait un stage de céramique chez Takashi Nakazato puis est invitée à suivre les cours de Paul Soldner au Scripps College, Claremont, Californie. À partir de 1974, son désir d'élargir son horizon artistique la ramène en Europe ; à Aix-en-Provence, puis en 1975 à Genève. Elle entreprend alors des études à l'Ecole des Beaux-Arts de Genève et obtient le diplôme de sculpteur et acquiert une grande indépendance d’expression lors de ses collaborations.

    De 1977 à 1979, Setsuko enseigne en France à l'Atelier de Font Blanche. A partir de 1979, enseigne à l'Ecole des Arts décoratifs de Genève. Membre de l'Académie internationale de la céramique IAC depuis 1979, Setsuko Nagasawa a été artiste en résidence au Keramische Werkcentrum de Heusden en 1985 et au European Ceramics Work Centre en 1991 et 2003 aux Pays-Bas. En1987, elle est invitée à l'université d'État de Californie à Long Beach, États-Unis. De 1991 à 2006, elle enseigne à l'Ecole Supérieure d'Art Visuel de Genève jusqu’en 2005 tout en poursuivant ses activités créatives dans son atelier parisien jusqu’à ce jour.

     

    Setsuko Nagasawa expose régulièrement ses œuvres en Europe et au Japon auprès des institutions et galeries d’art reconnues. Exposée à la cité de la Céramique de Sèvres depuis les années 2000 : Circuit Céramique en 2010, De Rodin à Schûtte en 2016 et Expérience de la couleur en 2018 , au centre de La Borne en 2017. Les Flammes l’art vivant de la céramique au musée d’art moderne de Paris en 2021. Exposition personnelle à HEAG Haute Ecole d’art et de Design de Genève en 2021. Représentée par la Galerie Anthologie depuis 2023.

  • broken image

     

    TSUTOMU HOSHITANI

     

    Diplomé de la Musashino art school de Tokyo en 1983, Tsutomu Hoshitani partage sa vie entre Osaka oul il enseigne l'art et sa maison dans les montagnes de nagano. Il puise son inspiration dans l'héritage culturel de l'histoire de la peinture japonaise.

    Ses oeuvres subtiles de compositions colorées et de monochromes jouent avec la texture, la lumière et l'ombre. Réalisées pour la plupart au charbon de bois, mine graphite s'appliquent sur un papier épais pour accueillir la trace et l'appui du geste. Ses créations témoignent de son sens aigu de la matérialité et de son profond intérêt philosophique. On peut ressentir l'essence de la peinture et du trait japonais mettant l'accent sur le sentiment méditatif d'unité avec la nature à travers l'acte de répétition.

     

    Mouvements libres et fluides, il ya toujours ce moment décisif pour accepter ce qui est, lâcher prise mais avec la volonté de s'engager. Son objectif est de transmettre l'expansion et la vulnérabilité à travers son travail, créant ainsi un espace méditatif pour les spectateurs qui invite à la contemplation et au développement spirituel.

    Le vide sans son travail peut être perçu comme un espace méditatif ou l'on est invité à faire une pause, à contempler, dans le calme, à guérir et à s'éveiller aux versions supérieures de nous-mêmes.

     

    Dans sa recherche et son expresion artistique, l'intuition et l'émotivité s'imposent comme des caractéristiques décisives, se sentant plus authentique, épanoui lorsque nous exprimons et explorons des choses personnelles et spirituelles qui peuvent souvent être ouvertes, expérimentales et ambigûes.

  • broken image

     

     

     

     

    ALEXANDRA POZZO DI BORGO

     

    Ce qui frappe dans la peinture d’Alexandra Pozzo di Borgo, c’est son effervescence,

    son côté lave en fusion. C’est une peinture en fièvre, généreuse et insondable.

    C’est une peinture dans lequel le chaos s’organise

    tout en gardant une allure première tellurique, chaotique, et vivement gestuelle.

     

    Christian Noorbergen, critique d’art

     

    D’abord costumière, Alexandra Pozzo di Borgo se forme pour devenir peintre décoratrice. Son travail personnel à l’encre et l’acrylique est aujourd’hui exposé au sein d’expositions et à Paris dans notre galerie.

    La peinture d’Alexandra Pozzo di Borgo est dynamique. Les couleurs ne s’y organisent pas en éléments distincts, mais fusionnent, s’interpénètrent. L ’artiste peint la nature : poissons, fleurs, paysages... mais aussi les Hommes. Elle présente ainsi également plusieurs œuvres dans lesquelles elle réinterprète les classiques de la peinture flamande, de Vermeer à Rembrandt.

     

     

     

     

     

     

  • broken image

     

    RENCONTRES INSPIRANTES

     

    Au cours de rencontres inspirantes avec des esprits créatifs dans le domaine de l'art, de l'architecture, de l'artisanat, de la mode, nous explorons comment leur attitude peut nous guider à travers leurs oeuvres.

     

    L'approche de leur processus créatif et nos rencontres dans des régions plus éloignées au Japon et dans les pays nordiques éveille nos sens et notre goût de l'aventure, de liberté et de rencontres.

     

     

     

     

    broken image

     

    EXPLORATION

     

    Pendant de nombreux siècles les artistes reproduisaient la réalité depuis l'émergence de l'art abstrait ces représentations se sont peu à peu dissoutes pour se libérer de la représentation figurative d'objets et de scènes de vie.

     

    Puisant dans toutes ces expériences, à travers nos correspondances entre l'Europe et l'Asie nous interprétons une approche globale et plus confidentielle de ces nombreux courants de pensée.

     

     

     

  • broken image

     

    TOMOKO KAWAO

     

    Assise sur ses talons, Tomoko KAwao semble méditative. D’ici quelques secondes, la jeune femme va se livrer à une chorégraphie nommée Shodo, le nom japonais pour l’art de la calligraphie.

    En silence, elle salue la toile de plusieurs mètres carrés, s’empare d’une brosse (aux dimensions elles aussi extraordinaires), la trempe dans un vase d’encre, laisse cérémonieusement l’excédent s’écouler. Soudain, elle s’élance, fait glisser le pinceau sur le support gigantesque, s’arrête, le corps en extension, tandis que les fibres gouttent sur la toile, avant de revenir à la source et, ses munitions rechargées, de repartir.

     

    Du signe au mouvement

    Originaire de Chine et popularisée au Japon au début de l’ère Showa (1926-1989), la pratique du shodo n’a cessée d’évoluer. La mise en scène contemporaine de créée par l’artiste se veut l’expression de la beauté du signe : ses traits, ses points et cet entre-deux lorsque le pinceau fait vibrer l’air.

     

    Tomoko Kawao a commencé son apprentissage à l’âge de six ans. Après avoir remporté de nombreux prix au Japon et à l’étranger, elle s’investit désormais dans des projets aussi différents que le signalement d’une station de train, d’un temple ou l’étiquette d’un spiritueux. L’artiste milite pour que le shodo ne soit pas perçu comme une discipline austère, mais plutôt comme une activité accessible — quoique chargée de symboles. Comme l’explique Kawao « une fois le pinceau posé sur le papier, il n’est plus possible de revenir en arrière ». Ainsi, il en va du shodo comme de la vie : la beauté réside moins dans le résultat que dans la chorégraphie.

     

    Pen Magazine Japan, Juil. 2018

     

  • broken image

     

    AURORE DE LA MORINERIE

     

    Une exploration n'est jamais définitive, elle n'est que le commencement de la suivante. Que l'on explore le monde enfermé dans sa chambre ou sur un bateau navigant des Galapagos à l'Equateur en 2011, la quête reste la même ; découvrir ce que nos yeux ne peuvent voir. D'un point à un autre, dans un temps donné, on sait, dès le début de l'aventure, que l'on ne verra, pendant la traversée, qu'une infime partie de la surface des abysses qui, pour autant offre une opportunité formelle et créative , d'autant plus incroyable qu'elle était insoupçonnée.

     

    Cette découverte ne pourra s'effectuer que par la rencontre avec l'autre : scientifiques ou équipage présents sur le navire qui livreront à notre regard une fraction de l'infinité de formes que la vie peut revêtir. Autant d'existences jusqu'alors inconnues qui rencontrent notre imaginaire, l'habitent et, avant tout, questionnent notre place dans cet univers que nous partagions sans le savoir.

     

    Aurore de la Morinerie, artiste invitée parmi l'équipage de l'expédition TARA pour la protection des océans. Elle exerce son art en renouvelant toujours son esprit curieux et explorateur. Diplômée de l'École supérieure des Arts appliqués Duperré, à Paris, illustratrice reconnue depuis les années 90, Aurore travaille auprès de marques de renommée mondiale, U T Magazine du New York Times, Harper's bazar, AD Magazine, ELLE France, ainsi qu'au supplément hebdomadaire du Monde.

     

    Représentée par la galerie Bartsch & Chariau à Munich jusqu'en 2018, elle a participé à des expositions d'illustrations de mode au London Design Museum 2010, au Hamburg Kunst und Gewerbe Mus.

    Le Musée de la Mode de la Ville de Paris - Palais Galliera lui commande une série de monotypes pour le catalogue de l'exposition dédiée à Azzedine Alaïa et pour celui de La Mode retrouvée. Ses œuvres font aujourd’hui partie des collections permanentes du musée.

     

  • broken image

     

    KASE

     

    Sur les bases de la calligraphie en employant l'encre et le pinceau, l'artiste calligraphe utilise sa propre réthorique artistique et unique. Immérgée physiquement, elle exerce son énergie dans l'état spirituel ou elle se trouve, réalisant des multiples jusqu'à la réalisation de l'oeuvre parfaite. Les lignes se réalisant d'elles mêmes dans l'action, au delà du caractère l'abstraction prend forme au dessus du sens des mots.

    Explorant la frontière entre la calligraphie en tant qu'œuvre d'art dans la vie de tous les jours, et ce qui rend la calligraphie si attrayante, qu'elle soit artistique ou pratique.

    Ecrivant sur elle-même et sur sa vie quotidienne ses œuvres sont inscrites dans la vie qui est approfondie par le lien entre ces deux éléments.

    Dans le seul acte d'écrire avec son corps, il y a un dialogue entre un personnage, elle-même et quelque chose qui la dépasse. Ses œuvres et ses écrits peuvent être considérés comme une exploration essentielle des possibilités de la calligraphie en tant qu'expression, la calligraphie vit.

     

    Née en 1975 à Kyoto, calligraphe japonaise installée à Tokyo, expose depuis 1992 se concentrant principalement sur les possibilités d’expression par l’écriture, elle a également organisé des ateliers d’écritures au Japon et à l’étranger, vécu à Paris, collaboré avec des artistes de différents horizons notamment avec les arts de la danse. Parmi ses nombreuses publications, citons "Nature morte" Seishiga 2001, Heibonsha, jouer avec les pierres «Ishi-no-asobi»,où réside la calligraphie «Sho-no-sumika" 2006.

    Ces dernières années son travail a été remarqué dans le domaine de l’art contemporain. Invitée en 2017 par par le Hara Museum dans la région de Nagano « créer les forêts », invitée par le Reitberg Museum de Zurich en Septembre 2018 sur le thème «conversation avec Rosetsu Nagasawa ».

  • broken image

     

    SOURCE NORDIQUE

     

    Le cheminement de la galerie est caractérisé par une esthétique minimale et poétique, une compréhension de la lumière et de l'espace par la présence simplifiée d'une palette de couleurs et de matériaux.

     

    Etablis à Paris et Kyoto, depuis 2001 nous posons au fil du temps les fondations d'un espace de découverte qui va au delà de la forme en sourcant des oeuvres d'art indépendantes à forte valeur affective pour de créer des lieux singuliers jusqu'à la programmation de voyages thèmatiques autour de l'artisanat, l'architecture, la création contemporaine, au Japon et dans les pays nordiques.

    broken image

     

    MINIMALE & MINERALE

     

    De source Nordique, signé par les grands noms du design minimaliste nous mettons en avant un mobilier artisanal humain et chaleureux intégrant en toute évidence les projets d'architecture les plus raffinés et innovants vers un engagement responsable et durable,

     

    Une expertise auprès des acteurs majeurs de la création au Japon et en Finlande : Nikari, John Pawson, Harri Koskinen, Jasper Morrison, Claesson Koivisto Rune, Kari Virtanen ..

     

    Parmi nos réalisations :

    2021 HERMES Parfum, siège rue de Penthièvre Paris 8

    2023 KADIST Art Fondation, Hôtel de Tallard Paris 3

    2023 KERING - BALENCIAGA, siège Av. George V Paris 8

    2024 HERMES, La Manufacture, Pantin ...

  • broken image

     

    INTEMPORALITE

     

    La philosophie de la galerie est de rechercher l'intemporalité, les oeuvres collectionnées et exposées mélangent la frontière entre la sculpture et la peinture, caractérisées par la texture, la lumière, le calme méditatif et la simplicité esthétique.  

    broken image

     

    TRANSMISSION

     

    Notre soif de connaissance de l'antiquité et de l'histoire de l'art nous ouvre les yeux sur de multiples mouvements artistiques que nous analysons et nous identifions dans une approche contemporaine de cette épopée chromatique et formelle.

     

  •  

     

     

  •