ANTHOLOGIE
Le Japon et les pays nordiques partagent un rapport intime à la nature et aux éléments.
Contrées relativement éloignées du reste du monde, recouvertes de forêts et dont la culture singulière est préservée, japonais et finlandais entretiennent une même relation à l'espace, à la lumière, et dans leur comportement, leur discrétion, leur précision, leur honnêteté, ils se ressemblent beaucoup.
Pour apprécier ce dialogue esthétique d'une rare fluidité, rendez-vous à Paris ou la galerie Anthologie présente des oeuvres réalisées à quatre mains par des artistes nordiques et asiatiques.
Le Monde, Octobre 2019
Hors-série Japon, Influence Japonaise
Conversation Galerie Anthologie
A PROPOS
DIALOGUE EUROPE ASIE
Fondée en 2009, Anthologie est l'expression d'un dialogue créatif initié depuis 1999 entre la France et le Japon.Évoluant avec les grands noms du design international et de l'architecture depuis vingt années, son fondateur Denis Ribreau a construit des relations singulières auprès d'artistes, artisans, designers, créant au fil du temps sa propre orientation dans le domaine de l'art et de l'architecture auprès d'une nouvelle génération créative.
INTUITION NARRATIVELes relations longues distances sont parfois les plus passionnées et nos liens établis de longue date avec l'Asie posent les fondations d'une galerie explorant créativité et transmission des savoirs.
La galerie Anthologie repose ainsi sur une complicité intuitive.
Donner à voir ce qui échappe au regard, être, sentir l'instant devant soi ; montrer et dire sur le mode de la parole silencieuse. Établir une relation avec l'inconnu, en recherchant un minimum d'intervention devant le spectateur, viser juste.
COLLECTIF CREATIFA l'image d'une petite fondation culturelle, au delà des circuits traditionnels de galeries, nous représentons fidèlement dans le temps
un petit collectif d'artistes pour révéler visuellement et émotionnellement la beauté de nos environnements.
Située à Paris rive gauche, sur le chemin des musées Guimet, Orsay et des civilisations du Quai Branly, une petite galerie explore secrètement un monde sensible qui se dessine.
TRANSMISSION DES SAVOIRS
La galerie approfondit pas à pas cette approche manuelle et gestuelle auprès du public mais également des institutionnels tels musées, fondations.
Hiver 2017, la Finlande était à l'honneur et exposée au Takenaka Tools Museum de Kobe.
A l'été 2018 l'atelier Nikari ouvrait les portes de ses ateliers au Japon pour inaugurer les relations culturelle entre la Finlande et le Japon dans la valorisation des ressources naturelles et la transmission de savoirs-faire.
SAVOIR-FAIRE ETHIQUE
Notre approche éthique est liée à la transmission de savoirs à de nouvelles générations de créatifs, des artistes dotés d'une grande maîtrise dans les arts traditionnels de la calligraphie, la céramique, la sculpture sur bois, le fabrication du papier.
Impliqués dans de nombreux projets d'architecture à forte orientation durable, ce printemps 2021 notre travail est remarqué pour l'aménagement du nouveau siège parisien HERMES Parfum avec le mobilier finlandais NIKARI.
FONDS D'ART CONTEMPORAINReposant sur une collection de plusieurs centaines d'œuvres, la galerie pointe son regard vers un Japon doté d'une forte capacité à éveiller nos sens.
Donner à voir ce qui échappe au regard, être, sentir l'instant devant soi, montrer et dire sur le mode de la parole silencieuse. Établir une relation avec l'inconnu, en recherchant un minimum d'intervention devant le spectateur, en un mot, viser juste.
- CALLIGRAPHIEKASETSU, TokyoKasetsu explore la frontière entre la calligraphie en tant qu'œuvre d'art et la calligraphie dans la vie de tous les jours, et ce qui rend la calligraphie si attrayante, qu'elle soit artistique ou pratique.Ecrivant sur elle-même et sur sa vie quotidienne ses œuvres sont inscrites dans la vie qui est approfondie par le lien entre ces deux éléments.Dans le seul acte d'écrire avec son corps, il y a un dialogue entre un personnage, elle-même et quelque chose qui la dépasse.Les œuvres et les écrits de Kasetsu peuvent être considérées comme une exploration essentielle des possibilités de la calligraphie en tant qu'expression, la calligraphie vit.Kasetsu est née en 1975 à Kyoto, calligraphe japonaise installée à Tokyo, Kasetsu expose depuis 1992 se concentrant principalement sur l’exploration des possibilités d’expression par l’écriture, elle a également organisé des ateliers d’écritures au Japon et à l’étranger, vécu à Paris, collaboré avec des artistes de différents horizons notamment avec les arts de la danse. Parmi ses nombreuses publications, citons "Nature morte » Seishiga 2001, Heibonsha, jouer avec les pierres «Ishi-no-asobi»,où réside la calligraphie «Sho-no-sumika" 2006.Ces dernières années son travail a été remarqué dans le domaine de l’art contemporain. Invitée en 2017 par par le Hara Museum dans la région de Nagano « créer les forêts », invitée par le Reitberg Muséum de Zurich en Septembre 2018 sur le thème «conversation avec Rosetsu Nagasawa ». Ses oeuvres font notamment partie de la collection du psychiatre Ryûtarô Takahashi. un des plus influents collectionneurs d’art contemporain au Japon.Explorant l’impulsion primitive de l’homme dans la vie quotidienne Kasetsu évolue dans un courant expressionnisme abstrait en continuité des grands maîtres de la de la 2ème moitié du XXème siècle dans la lignée de l’artiste Yuichi Inoue.Principalement exposée au Japon, Kasetsu est représentée pour la 1ère fois en Europe et en France par notre galerie Anthologie depuis 2021.Sur les bases de la calligraphie en employant l’encre et le pinceau sur papier, Kasetsu utilise sa propre réthorique artistique et unique. Immérgée physiquement, Kasetsu exerce son énergie dans l’état spirituel ou elle se trouve réalisant des multiples jusqu’à la réalisation de l’œuvre parfaite, les lignes se réalisent d’elles mêmes dans l’action, au delà du caractère l’abstraction prend forme au delà du sens des mots."Depuis l'âge de cinq ans, j'écris des lettres au pinceau chaque semaine dans un cours de calligraphie pour enfants. J'apprenais les caractères kanji en écrivant. Pour écrire les caractères, je devais chercher les kanji. Quand je cherchais des kanji, je trouvais des hiéroglyphes sur la page. J'ai appris les kanji en regardant les pictogrammes et en voyant comment ils sont apparus. C'est longtemps après avoir commencé à ouvrir le dictionnaire que j'ai découvert que le dictionnaire dans lequel je cherchais des kanji avait été écrit par une personne nommée Shizuka Shirakawa. Dans l'écriture, les caractères chinois parlaient de leurs origines, et les mots qu'ils combinaient ensemble étaient prononcés sous forme d'idiomes. Le Hiragana était parlé sous forme de sons. Dans les mains de Shirakawa Shizuka, les significations, les sons et les formes de chaque kanji nous sont transmis. Les événements survenus il y a longtemps m'ont été transmis comme s'ils venaient de se produire. Je voulais parler aux kanji dans l'écriture en face de moi. Quand j'écrivais les personnages, je pouvais communiquer avec eux. Quand j'écrivais le même personnage encore et encore, je devenais ami avec ce personnage.Un jour, j'ai vu une photo dans la classe. Il s'agissait d'une photo d'un homme au crâne rond et rasé portant un kimono et tenant un paquet de papiers sous un bras. Après avoir choisi ce qu'il fallait laisser parmi les nombreuses lettres qu'il avait écrites, il est allé brûler celles qui restaient. La vue arrière tranquille était effrayante. Lorsque j'ai vu cette photo, je pense que c'est la première fois que j'ai eu une forte conscience de l'écriture en tant qu'enfant. Le dos de la figure a brûlé intensément dans mes yeux. Je pensais qu'écrire était une chose si effrayante et si forte à libérer. L'homme s'appelait Inoue Yuichi. Il n'est plus parmi nous.
Ecrivant plusieurs fois la même lettre, en me rappelant et confirmant diverses choses ; quoi écrire, pourquoi l’écrire, je rencontre des pensées et des souvenirs inattendus. En répétant mes propres questions et en écrivant des lettres, je crée ichi ji sho."
- TOMOKO KAWAO, KyotoOriginaire de Chine et popularisée au Japon au début de l’ère Shōwa 1926-1989, la pratique du Shodô n’a cessé d’évoluer.Au Japon la calligraphie contemporaine se veut l'expression de la beauté du signe : ses traits, ses points et cet entre-deux lorsque le pinceau fait vibrer l'air.Kochi signifie bouche en Japonais, au delà de la beauté esthétique, la bouche symbolise la parole et le silence. Le mot ne parle pas de lui même, il appelle au silence et ses différentes nuances sont d'une grande subtilité, un instantané de votre esprit, de vos sentiments.C'est alors le corps qui s'exprime et le corps de celui qui s'y plie est invité à se soumettre au tracé des lettres, tracé qui s'effectue de manière silencieuse. Au japon on parle ainsi comme on écrit et toute déviance subjective risque de troubler la fluidité du déroulement des gestes à accomplir.Ainsi le langage traduit l'évolution de la société , et au delà de la parole la calligraphie symbolise l'expression d'une pensée profonde d'une culture ancienne.
ART CONTEMPORAIN
TSUTOMU HOSHITANI , OsakaTsutomu Hoshitani vit et travaille à Osaka ; diplômé en 1983 de la réputée Musashino Art School, de Tokyo, la plus ancienne école d'Art de Tokyo créée sous l'ère Meiji, il participe à de nombreuses expositions essentiellement au Japon.L'idée de montrer ses oeuvres sur papier est une orientation de la galerie pour déchiffrer les mystères et les forces des peintures de Tsutomu très engagé sur les conditions environnementales l'évolution de nos sociétés, l'impact sociétal de la mondialisation.Approcher le langage hypnotique de ses peintures résonne comme un éveil à la beauté, l'intemporalité et l'impermanence des choses.Erosion de formes, fragments émergents, mouvements de couleurs apparaissant sur fond blanc, blanc comme le vide, un vide délimitant une distance immanente, une nature propre, un état de nature ou tout est réalisation de soi et dans lequel le pouvoir de penser se fond avec celui de l'action.Tsutomu Hoshitani il est représenté en France et en Europe en exclusivité par notre galerie depuis 2014.SERMON TO THE DEAD BIRDS / MESSAGE AUX OISEAUX - TSUTOMU HOSHITANI - 2018Drawing / Dessins au crayon gras et charbon 710x130 & 150x180 ht
- TSUTOMU HOSHITANI - DEUCALION, 2017 - 2018 - 2019Technique mixte peinture gouache & acrylique, crayon sur papier. Dimensions 50x70 cm / 60x80 cm Ht
- TSUTOMU HOSHITANI - FLOWER 2020, oeuvres signéesEncre lavis à l'encre japonaise sur papier artisanal - Grands formats 56x112 - 112x112cm Ht
- TSUTOMU HOSHITANI - RESORT PROJECT COLLABORATION 2020GWENAEL NICOLAS CURIOSITY ARCHITECTES - TOKYO
- TSUTOMU HOSHITANI - DEUCALION 2020TECHINIQUE MIXTE PEINTURE GOUACHE & acrylique, crayon sur papier . Dimensions 70x80cm Ht
- TSUTOMU HOSHITANI - CANDIES 2020HUILE SUR TOILE 20x30cm / 40x50cm
- MITSUHIRO OFUNE , Faculty of Fine Arts , Osaka, diploma en 1983La qualité visuelle, monochromatique, la texture, sa fluidité, Mitsuhiro créé une relation singulière avec le spectateur. Proche du méditatif, la dynamique de ses couleurs est perçu comme une force, une énergie. Entre deux instants de vie, l'oeuvre silencieuse nous ouvre la voie d'une action volontaire et réfléchie.Exposant régulièrement et principalement au Japon, Mitsuhiro Ofune reprend les adages d'anciennes techniques d'impression au tamis. Représenté exclusivement à l'étranger par notre galerie depuis 2014, ses oeuvres intègrent collections privées et fondations."Aru toki no katachi "La forme de l'instant" 2014Monotypes pièces uniques à l'encre japonaise sur papier / Dimensions 50x40cm - 20x30cm & 14x18 cm
BLEUE - AURORE DE LA MORINERIE, AVRIL 2021
FONDS D'OR ET HUILE SUR PAPIER ARTISANAL - OEUVRES UNIQUES SIGNEES - Dimensions 33x67 cm Ht
- YUTAKA YAMAMOTO, ParisExpression du temps et des sentiments,prise de vue intimiste et tirage labo dans son appartement atelier, Yutaka se situe dans la lignée des grands photographes qui on tant sillonnés les rues de saint Germain des Près et son esprit bohème.Né au Japon en 1955. Yutaka suit des études à l’Ecole Supérieure de Design de Tokyo Kuwazawa de Tokyo, enseignement dont l’esprit est basé sur le concept du Bauhaus.Directeur artistique de plusieurs magazines féminins japonais Madame tel Madame Figaro Japon, ainsi que du magazine de Toshiba ; Yutaka s’installe à Paris en 1990 et collabore avec de nombreux magazines français et étrangers tels que Dépèche Mode, Madame Figaro, Marie-Claire Maison, Votre Beauté, View on Color, Grazia, Kateigaho.Photographe publicitaire installé à Paris, Yutaka collabore avec Yohji Yamamoto, Cacharel, Michel Klein, Guy Laroche, Kenzo, Hermès, Issey Miyake et réalise lesphotographies du livre "Dom Perignon Vintage 1988.
EVE DORIS - BÖHM, Hambourg
Dans les années 80, je suis passé de l'aquarelle à la peinture, j'ai expérimenté le crayon, mais toujours avec des écritures, en développant des peintures à partir de la ligne, du trait. Après la visite d'une grande exposition sur l'Asie de l'Est, j'ai développé le désir de comprendre la beauté et la puissance d'expression des anciens maîtres calligraphes chinois et japonais et d'étudier la calligraphie sino-japonaise. J'ai ensuite étudié pendant 20 ans auprès du professeur Nangaku Kawamata.Pourquoi est-ce que je fais cela ? Les extrêmes de la vie sont ce qui m'intéresse, comment ils s'inscrivent dans la figure humaine, dans les mouvements et les expressions, dans le langage, la musique et tout aussi bien dans la destruction. Et pour comprendre la vie ! Le son de mes tableaux émerge de la vie avec la nature, que l'on peut expérimenter ici au Schaalsee, des bruits tels que le cliquetis des anneaux des cristaux de glace, qui se forment en hiver autour des tiges de roseaux, se frottant les unes contre les autres, l'écoulement de l'eau, son rythme - tout cela devient une partie de ma peinture.Eve Doris - Böhm est née en 1943, sa jeunesse orientée par l'enseignement des arts graphiques et de la peinture à la Werkkunst-schule de Hambourg, ces école d'arts appliqués d'état dont sont issus les artistes allemands reconnus tels Anni Albers, Gustav Klimt, Otto Dix, Egon Schiele.
Le parcours d'Eve Doris - Böhm s'est illustré avec une reconnaissance dans le graphisme et l'illustration et son travail artistique exposé dans les galeries de Hambourg ou elle réside à ce jour.
ARTISANAT & DESIGN
Nous développons nos partenariats exclusifs auprès d'artisans et petits fabricants élevés au plus haut niveau de leur art et également auprès des institutions, universités de Design.
Le japon et la Finlande représentent un niveau de maturité dans ce domaine et nos principales collaborations depuis 2009 sont le reflet de notre expertise et reconnaissance dans ce domaine.
Précurseur d'un nouveau mouvement porté par la valeurs manuelles, depuis une dizaine d'années nous avons contribué à rendre visible en France une nouvelle génération d'artisans japonais en exposant le label SFERA de Kyoto avec Shigeo Mashiro,Kaikado, Kanami Tsuji, Hosoo, entrainant de belles collaborations auprès de grands noms du luxe tel Louis Vuitton. Nouds partageons notre réseau auprès de nombreux autres ateliersouverts à de nombreux projets de restaurants, hôtels, expositions Le Bon Marché, Galerie Bensimon, Christian Liaigre, Merci ..
Nos principaux partenariats :
Sfic / Furniture Council of Singapore - NUS / National University of Singapore - Design Incubation Center / National University Singapore NUS
Japanese crafts : Sfera Kyoto, Shigeo Mashiro - Kanaami Tsuji - Hosoo - Suji Nakagawa - Kaikado - Takagi - Ren Hueara - Hideo Sawada...
Matsuso Meetee woodworking furniture, Hiroshima :Design Harri Koskinen, Jin Kuramoto, Claesson Koivisto Rune, Stefan Diez.
Institut Finlandais
Nikari, Design finlandais :Design Cecilie Manz, Claesson Koivisto Rune, Jasper Morrison, Harri Koskinen, Jenni Roininen, Nao Tamura..
Nikkei / Takenaka Tools Museum, Kobe Japon
Collaborations : Le Bon Marché - Galerie Léo Arte fondée par Christian Liaigre
Presse : Ideat, Le Monde, Le Figaro
Design fairs : Isalone Milan - Now M&O - IFFT Tokyo - FF Cologne
Art Fair : Deesin Paris - Asia Now Paris 2020 - Asia Now Paris 2021
- ARTISANAT FINLANDAIS
NIKARI Fiskars, FinlandeSituée dans l'historique village de Fiskars au sud d'Helsinki, depuis 1967 NIKARI est un petit atelier de fabrication de mobilier de bois massif transmettant la passion d'une fabrication locale, respectant toutes les étapes de fabrication.Ce éditeur finlandais véhicule dans le design Finlandais les valeurs responsables et durables et ce depuis sont origine en exerçant auprès d'Alvar Aalto.En quelques années, les ateliers finlandais sont devenus un des acteurs majeurs du renouvellement créatif finlandais à la frontière entre art et artisanat et recherchés sur les plus grands salons de design internationaux.Les ateliers de Niari sont alimentés par une énergie hydro-électrique et ce depuis leur origine. Les arbres sélectionnés en fin de vie sont utilisés dans leur intégralité et nous participons aux campagnes internationales de reboisement.Depuis 2017 nous accompagnons leur lisibilité et leur visibilité pourassocier ces valeurs en France de nouveaux projets d'architecture à forte orientation durable. En ce Printemps 2021, le mobilier Nikari aux tonalités claires est ainsi prescrit pour l'aménagement mobilier du nouveau siège parisien HERMES Parfum. - Epure symbole de précision, bois clairs, synonymes de sincérité, sens inné de la tradition par le renouvellement de la créativité.Au delà du simple cadre visuel, un profond langage minimal et minéral nous guide dans la préservation des essences et la transmission des savoirs.Depuis 2021, autour du projet "12 Designs for Nature" les ateliers NIikari rassemblent un collectif de designers valorisant le travail artisanal autour de valeurs environnementales et durables. Ateliers alimentés par l'énergie hydre-éléctrique, arbres sélectionnés en fin de vie pour éviter leur rejet de Co2, utilisation de toutes las parties de l'arbre, techniques traditionnelles, minimisation de l'empreinte carbone pour le transport sont autant de valeurs soulignant un design minimal au plus près des essences.Nikari édite un mobile signé des grands noms du designCecilie Manz, Jasper Morrison, Wataru Kumano, Claesson Koivisto Rune, Kari Virtanen, Jenni Roininen, Alfredo Haberli, Rudi Merz, en 2021 nouvelle collection avec John Pawson.www.nikari.fi
ARTISANAT JAPONAIS
Au Japon le beau est l'ami présent à tout instant, au delà d'une philosophie, la simplicité d'un art de vie.Profond respect pour la nature et les éléments, les japonais cultivent un art de la modestie, un goût porté pour l'essentiel, une culture de l'écoute et du silence, un sens inné de l'observation.Dans les ateliers de Matsuso à Hiroshima, le cadre ou la ligne sinueuse d'une chaise ou d'un fauteuil ne se fait pas en pliant le bois. Il est coupé, raboté, et façonné à partir d'une pièce de bois.Assemblé et ajusté pièce par pièce créant ainsi une finition de cadre raffiné et résistant en mettant en avant la rigidité du bois ,révélant la beauté des essences et le respect de leur cycle de vie.- Installée à Hiroshima dans le sud du Japon, Meetee est un jeune label d'un design d'édition porté par la famille Matsuso spécialiste de l'artisanat du bois depuis plusieurs générations. Coordonnée par le designer Jin Kuramoto, la collection d'un mobilier artisanaux locaux est signée en complicité avec les grands noms du design scandinave Claesson Koivisto Rune, Harri Koskinen, Stefan Diez.Depuis 2017 nous dirigeons leur positionnement pour la France et en Europe dans l'aménagement de projets d'architecture.
- La région montagneuse de Nagano abritent des essences de bois qui ne se trouvent qu'en cette partie du monde.Bois sacrés aux qualités rares de bois de senteur, certaines essences comme le Hinoki, keyaki, Sugi sont considérées comme les meilleurs matériaux de construction au monde.Longévité sur plusieurs centaines d'années, bois inaltérable, les arbres répondent à l'exigence de la main de l'homme pour façonner dans des objets du quotidiens,
EDITION LIMITEE
NUS - National University of Singapore - "Objects around tablescape" - d.lab Edition 2010 / 2012
EDITION
La texture et la douceur du papier semblaient bien adaptées au style de l'architecture japonaise avec ses intérieurs jouant de la lumière au fil de la journée et des saisons.L'architecture traditionnelle utilise des matériaux fragiles et peu resistants comme le bois, le papier, la terre ; définissant les espaces de vie par des lignes horizontales et verticales.Tirer parti de la nature pour la transformer en objet d'une grande sensibilité destiné à vivre une longue histoire auprès des générations futures a beaucoup de sens dans notre engagement. La table se plie, se déplace et se range, esprit fidèle à l'esprit traditionnel et fonctionnel en Asie.La fabrication est réalisée pr un atelier en activité depuis 140 ans ; découpe, pliage de chaque feuille façonnée à la main pour obtenir un résultat d'assemblage lui offrant une singularité recherchée pour chaque objet. Edition limitée par notre galerie, édition en 12 exemplaires.
ART FAIRS
SALON DESSIN / Atelier Richelieu Paris 1er18/20 Septembre 2020
ASIA NOW PARIS
Asian Art Fair 21/24 Oct 2020 - 9, Avenue Hoche - Paris 8ème
www.asianowparis.comPour la 6ème édition de ASIA NOW 2020, la galerie ANTHOLOGIE expose sur ASIA NOWparmi les acteurs reconnus de la création parisienne ; Galerie Laffanour, Nathalie Obadia, Galerie Mingei, Galerie Perrotin, Maria Lund.
ASIA NOW PARIS
Asian Art Fair 21/24 Oct 2021 - 9, Avenue Hoche - Paris 8ème
www.asianowparis.comPour la 7ème édition de ASIA NOW 2020, la galerie ANTHOLOGIE expose sur ASIA NOWparmi les acteurs reconnus de la création parisienne ; Galerie Emmanuel Perrotin, Nathalie Obadia, DanielTemplon, galerie Taménaga
PRESSE
Nous nous efforçons sans cesse d'améliorer notre travail avec dévouement dans le domaine de l'art, de l'artisanat et de l'architecture intérieure auprès de talents émergents que nous jugeons essentiels pour un avenir meilleur.Depuis 1999, notre collection repose sur un fonds de plus de 300 oeuvres référencées dans le monde de l'art, du design de l'artisanat en provenance du Japon.des pièces représentatives de srelations entretenues dans l'art contemporain, l'artisanat et le design de ce début du XXIème siècle.
